Per il pubblico

A cura di Lavanderia a Vapore e Workspace Ricerca X
realizzato con il contributo della Fondazione Compagnia di San Paolo
con Daria Greco, Royal Divorce, Barbara Novati, Collettivo Crac, Jovana Malinaric, Polina Fenko, Alice Ruggero, Lucia Di Pietro, Sara Saccottelli, Alessandro Tollari e Alessia Prati, Annika Pannitto, Elisa Zuppini, Emilie Gallier, Jacopo Jenna e Ariadne Mikou, Masako Matsushita e con gli artisti e le artiste del progetto di formazione Camp-in
con la partecipazione di Andreane Leclerc e con i mentor di Camp-in Camilla Guarino, Cristina Kristal Rizzo, Elisabetta Consonni, Enrico Malatesta, Giuseppe Comuniello, Salvo Lombardo
con la partecipazione del gruppo della rete Interspazio – Lavanderia a Vapore Festival Orlando, Invisible Cities, Zona K e Periferico Festival, con l’accompagnamento di Doriana Crema

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PARTECIPAZIONE GRATUITA A TUTTE LE ATTIVITÀ SU PRENOTAZIONE TRAMITE FORM

Per la sua quarta edizione, il Research Camping trasforma gli spazi della navata di Lavanderia a Vapore, dal foyer al teatro, in ambienti ibridi tra finzione e realtà, che diventano dispositivi per lo scambio e la disseminazione di processi di ricerca artistica. Il Camping non solo ospita ricerche, ma si costituisce come una ricerca in sé protesa all’immaginazione di alternative sociali e politiche.

Research Camping 2025 indaga lo scivolare come postura e dinamica relazionale, come anatomia dell’interdipendenza, articolando tematicamente l’inclinazione verso ciò che è altro, non familiare, la circolarità della condivisione e il fallimento – scivolone per eccellenza – come poteri privilegiati per riscrivere simbolicamente un mondo nuovo che ripesca nel vecchio, nelle radici di uno stare insieme e di economie antiche.
Gli ambienti di questa edizione che incarnano queste dinamiche sono lo spaccio e lo scivolo: spazialità che incoraggiano pendenze, che sollecitano nuove modalità di relazione e negoziazione di equilibri precari e invitano a ripensare le forme di condivisione di pratiche e materiali nella dimensione corale del Camping. Questi ambienti si attiveranno con la condivisione di pratiche e materiali di ricerca, aperti alla comunità temporanea di artisti-ricercatori, di partecipanti e visitatori.

Un progetto di Ariadna Rodriguez e Iñaki Alvarez (nyamnyam)
performer Estel Boada, Anat Bosak, Elena Carvajal, Dani Moreno Roldán, Iver Zapata
musica e sound design Daniel Moreno Roldán
luci e scenografia Anat Bosak
occhio esterno Anne Lise Le Gac
collaborazione alla ricerca coreografica Katerina Andreou
collaborazione al quadro concettuale Helen Torres
prodotto da Coop Ny Ny SCCL
coprodotto da El Canal – Centre d’Arts Escèniques (CAT), Fira-Tàrrega 2025 Creation Support Program (CAT), Life Long Burning (UE) e ICEC (Governo della Catalogna)
con il sostegno alla produzione di Joan Brossa Foundation – Centre de les Arts Lliures (CAT), La Caldera – Dance Creation Center (CAT), La Mutant (Valencia), il programma “MIRANDA 2024” dell’Università Paul Valery Montpellier 3 (FR), ICI Centre Coreogràfic Nacional de Montpellier (FR), Site archéologique Lattara – musée Henri Prades (FR), Duncan Dance Research Center (GR) e Central Elétrica, Oporto (PT)
con il supporto di Institut Ramon Llull

Cinemática è un’opera archeologica che riflette su gesti e attività che non riusciamo più a ricordare o che forse non esistono ancora. Un’installazione performativa che si concentra sulla genealogia dei movimenti da prospettive che incorporano aspetti coreografici, spaziali, musicali, relazionali, sociali e soprannaturali.  
Cinemática è anche “una straordinaria sintesi dei movimenti del lavoro e della vita quotidiana”, una teoria sviluppata da Raymond Duncan, fratello della ballerina Isadora Duncan, all’inizio del XX secolo. Da un approccio critico e non epistemologico, è stata elaborata un’indagine a lungo termine che rivisita questa eredità.  
Cinemática è uno spazio “intermediale” tra il pubblico e gli artisti, dove l’installazione prende forma attraverso la narrativa speculativa, la musica dal vivo, la poesia e la danza. 

Ariadna Rodriguez e Iñaki Alvarez sono nyamnyam. Combinando le loro formazioni in varie discipline, il loro lavoro mira a promuovere la creazione, la diffrazione e lo scambio di conoscenze attraverso strategie di interazione in ogni contesto (g)locale in cui operano. A questo incrocio tra arti dal vivo, arti visive, pensiero critico e pedagogie, il lavoro di nyamnyam si muove tra la creazione di progetti e la curatela intesa come spazio transdisciplinare di relazione e rottura, sfidando la visione standardizzata della mercificazione culturale. Hanno sviluppato varie opere teatrali presentate in festival internazionali come il Festival Les Urbainnes (Losanna, Svizzera); Radical Hospitality Festival al Blackbox Teater (Oslo, Norvegia); MIR Festival (Atene, Grecia); Danza en la ciudad Festival (Bogotá, Colombia); SALIVA cycle al CentroCentro (Madrid, Spagna); Short Theater Festival (Roma, Italia); e ZOOM IN! Festival al Duncan Dance Research Center (Atene, Grecia), tra gli altri. Hanno realizzato e condiviso i loro progetti in Spagna, Portogallo, Francia, Italia, Svizzera, Norvegia, Grecia, Stati Uniti, Messico, Colombia ed Ecuador.
Dopo otto anni di attività nel loro spazio di Barcellona, nel 2020 hanno aperto Espai nyamnyam nel micro-villaggio di Mieres (Girona), una cooperativa culturale incentrata sulla pratica artistica contemporanea nell’ambito della decrescita. I loro progetti hanno ricevuto il sostegno di Acción Cultural Española (AC/E) attraverso il suo programma di internazionalizzazione della cultura spagnola (PICE), della Generalitat de Catalunya (ICEC e OSIC), di Creative Europe (Unione Europea) e dell’Institut Ramon Llull (Catalogna).

Biglietti disponibili su Vivaticket

Produzione Perypezye Urbane
di e con Maia Joseph
drammaturgia Giovanni Sabelli Fioretti
produzione creativa Giuseppe Esposito

PRIMA REGIONALE

In tutto il mondo le persone lottano per far sentire la propria voce.  Mentre il pubblico entra, Maia è a terra, al centro del palco, già immersa in una lotta interiore. I movimenti isolati del suo petto imitano il gesto di chi lotta per respirare. Le ombre sul muro la circondano, personificando le voci degli altri nella sua mente, la zittiscono. Gridare per essere ascoltati è controproducente. Il beneficio sta nello scegliere quando parlare e quando tacere. Tuttavia, non tutti hanno il lusso di questa scelta. Molto spesso l’altro personifica i diversi fattori culturali, politici, razziali e genetici che mettono a tacere la voce di alcuni, mentre permettono ad altri di parlare a voce alta. Sono spesso quelli che cercano con più forza di entrare nel dibattito che vengono silenziati di più. Questo disequilibrio di potere, oltre alle esperienze personali, ha ispirato questa pièce. Nel suo assolo, Maia Joseph cerca di superare le ripercussioni dell’’interiorizzazione della voce, mentre lotta per ascoltare la propria. Lei è il suo stesso altro da battere. Sul palco gioca con gli sguardi, intercetta l’energia del pubblico perché questo la aiuta a entrare in contatto con loro. Così facendo, permette a se stessa e al pubblico di essere vulnerabili, aggiunge un senso di umanità e genuinità alla performance e affronta un tema senza tempo e luogo, riscoprendo la forza che trascende l’abilità verbale.

Maia Joseph ha conseguito la laurea in danza contemporanea nel 2022 a Berlino. Da quando si è laureata, ha lavorato e collaborato con compagnie come la Company Christoph Winkler, Luna Park e, attualmente, Perypezye Urbane. Nel 2022 ha recitato in un cortometraggio scritto da Marianna Simnett e diretto dal premio Oscar Robbie Ryan, presentato in anteprima alla 79ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia. Si è esibita in video come ballerina protagonista per diversi artisti come Herbert Grönemeyer, Lena Meyer-Landrut e ARTBAT. Recentemente ha partecipato a due produzioni per la Settimana dell’Arte di Berlino e per il Festival Venere in Teatro di Venezia.

Perypezie Urbane è una compagnia multidisciplinare con sede a Milano, attiva dal 2005 nella creazione e diffusione di opere che uniscono danza e nuove tecnologie. Promuove l’innovazione artistica attraverso progetti site-specific, residenze creative e collaborazioni internazionali. Con un approccio inclusivo e sostenibile, sostiene artisti emergenti e sviluppa iniziative educative e performative per il pubblico contemporaneo.

Di Gervais Tomadiatunga
assistente alla coreografia Julie Fontes-Trameçon
sguardo esterno David Llari
con Larissa Emahus Mokono, Claude David Ndoudi-Socky, Boanergie Ange Nkodia Zola
testi e narrazione Mariusca Moukengue
scenografie Eddy Ekete
musiche Studio Congo Music
luci Athanase Mvila
produzione Cie Danseincolore, Lorette Chone
coproduzione IF Congo – Brazzaville, Twcdd Festival Winter Dance Californie, Ecole de Danse Koundi, Biennale de Performance Tokomi
coreografo vincitore del Premio Oslo 2024
con il supporto della Fondazione Nuovi Mecenati – Fondazione franco-italiana di sostegno alla creazione contemporanea

PRIMA NAZIONALE

Un ingresso deciso dei performer viene annunciato al grido: “Congo kaka boye” (Il Congo è così). Si apre con esplosività l’opera coreografica di Gervais Tomadiatunga, che trasforma ferite e traumi della sua infanzia in creatività, resilienza e speranza. Attingendo alla sua esperienza di ex bambino soldato e minatore di coltan, Gervais dà vita a personaggi che incarnano le lotte e le vittorie della gioventù congolese di fronte a sfide socio-economiche e ambientali. Sul palco, i performer rappresentano una generazione che cerca la propria strada tra alcol, religione, sesso, smarrimenti e disillusioni. Portano con sé una rabbia di vivere, un bisogno vitale di creare. La musica coinvolgente li accompagna in questa incessante ricerca, unendo i loro corpi in una lotta collettiva. Le individualità persistono, ma i corpi coesistono con un’emozione e una vibrazione condivisa. La danza li unisce, li trasforma in un corpo collettivo, coraggioso, fiero, instancabile, che porta in sé gioie e dolori della vita quotidiana. Lo spettacolo affronta temi urgenti come blackout elettrici, scarsità d’acqua e inquinamento, mettendo al centro il ruolo fondamentale delle donne nella società congolese. Con quattro danzatori in scena e scenografie realizzate con materiali di recupero, questa creazione è al tempo stesso un grido di giustizia sociale e un’esaltazione della libertà attraverso il movimento.

Danseincolore Fondata dal coreografo e danzatore Gervais Tomadiatunga, si distingue per un approccio alla danza che mette la libertà al centro del lavoro coreografico. I suoi danzatori sono esonerati dai vincoli degli stili tradizionali occidentali per riappropriarsi dei corpi e ritrovare un linguaggio espressivo coerente. Con sedi in Francia e Congo, la compagnia ripropone i ritmi e le danze africane, celebra la ricchezza del patrimonio espressivo africano e la vitalità degli applausi, dei fiumi e delle foreste del Congo. Opere, come Réalité(s), Mboka Mboka e Congo Ka Boyé, esplorano le esperienze personali di Tomadiatunga, segnate dalla guerra civile, dalla lotta e dal trauma e arricchiscono la quotidianità dei centri abitati con  esempi di resistenza e creatività. 

Gervais Tomadiatunga Direttore della TOKOMI biennale di Brazzaville, coreografo e danzatore franco-congolese, ha iniziato la sua carriera nel 2004 con il Balletto Nazionale e il Teatro Nazionale del Congo. Ex bambino soldato, utilizza la danza come mezzo per raccontare la sua storia e offrire speranza.  Da allora, ha fatto tournée in Africa, Europa e Stati Uniti. Le sue creazioni esplorano i traumi e le dinamiche dell’infanzia congolese. È fondatore della Koundi Dance School a Brazzaville, pertanto sotto i riflettori per star dando vita a una  nuova generazione di danzatori. Nel 2024 ha vinto il Premio Oslo per la sua performance con il solo «Espoir de survie».

di Virgilio Sieni
in collaborazione con Franco La Cecla
con Jari Boldrini e Maurizio Giunti
coreografo vincitore del Premio alla Carriera Danza&Danza 2024

PRIMA REGIONALE

Una riflessione sulla condizione contemporanea, dove l’auto è sia simbolo di libertà che di costrizione. Da un lato, un rifugio mobile, un luogo dove il sonno può essere vissuto come una fuga dalla casa e dalla confusione della vita quotidiana, un modo per riscoprire la solitudine o la compagnia del viaggio. Dall’altro, però, c’è la realtà di chi non ha più una casa o non ne ha mai avuta, costretto a vivere e dormire nell’auto come unica alternativa, una condizione che riguarda sempre più persone in situazioni di povertà o in crisi economiche. Inoltre, c’è l’aspetto del sonno come funzione lavorativa, come nel caso degli autisti che sfruttano ogni minuto di riposo durante le loro lunghe ore di lavoro, senza la possibilità di tornare a casa. Il sonno in macchina diventa immagine di una società in cui l’auto non è solo un mezzo di trasporto, ma si sostituisce alla casa e agli spazi pubblici che un tempo offrivano rifugio. Ma oltre a questa dimensione sociale ed economica, c’è anche la provocazione filosofica: il sonno come momento di resistenza alla frenesia della vita, un modo per rivendicare uno spazio intimo e silenzioso, dove ci si può “fermare” nel caos del continuo movimento. Sleep in the car rappresenta il ritorno a una forma di esistenza più primitiva, dove l’autosufficienza e la solitudine diventano momenti di elevazione intellettuale e spirituale ed è proprio in questo spazio limitato, nel buio della macchina, che il sonno ci rende unici e indipendenti, e allo stesso tempo, ci costringe a confrontarci con la nostra vulnerabilità più profonda. 

Virgilio Sieni Coreografo e danzatore italiano di fama internazionale, noto per la sua ricerca sul corpo come spazio di accoglienza e sulla complessità archeologica del gesto. Dopo studi in arte, architettura e danza tra Amsterdam, Tokyo e New York, ha fondato nel 1992 la Compagnia Virgilio Sieni, affermandosi sulla scena contemporanea. Dal 2003 dirige il CANGO Cantieri Goldonetta a Firenze, centro di produzione e ricerca sulla danza. Ha creato l’Accademia sull’arte del gesto (2007) e la Scuola sul Gesto e il Paesaggio (2018), progetti formativi sulla relazione tra corpo, territorio e comunità. Direttore della Biennale Danza (2013-2016), ha ricevuto numerosi premi, tra cui tre Premi UBU e il titolo di Chevalier des Arts et des Lettres dal governo francese. Il suo lavoro spazia dalla tragedia greca alla democrazia del corpo, combinando teatro, arti visive e filosofia. Infine, a collaborato con Giorgio Agamben e realizzato progetti per istituzioni come la Fondazione Prada e Matera 2019.

Di Moritz Ostruschnjak
collaboratrice coreografica Daniela Bendini
interpreti Miyuki Shimizu & Guido Badalamenti
piano Reinier van Houdt
light design Thomas Zamolo
costumi Daniela Bendini
drammaturgia Armin Kerber
produzione Susanne Ogan
PR Simone Lutz
management Alexandra Schmidt
touring Pascal Jung
Artista selezionato alla piattaforma della danza tedesca 2022 
Questo progetto è reso possibile da Bavarian State Association for Contemporary Dance (BLZT) con i fondi del Bavarian State Ministry of Science and the Arts

PRIMA REGIONALE    

Una storia d’amore tra un pattino destro e uno sinistro. Il tedesco Moritz Ostruschnjak ha saputo trasformare questo concetto in un racconto travolgente su un amore nascente che, prima ancora di coronarsi, si infrange in una separazione carica di dolore e tormento. In questa pièce, due assoli si fondono, si scontrano, si inseguono, diventano duetto e poi si sfaldano. Miyuki Shimitsu e Guido Badalamenti si muovono in un universo ibrido, accompagnati dal vivo dalle note al PIANOFORTE di Reinier van Houdt. I pattini diventano appendici del corpo, le braccia si snodano come fossero gambe, Alvin Curran si trasforma in Yoko Ono, i pianoforti si dilatano fino a riempire intere stanze di silenzi. Il gioco magnetico che si instaura tra corpi e oggetti dà vita a creature impossibili, mondi effimeri, storie in continua mutazione. Le immagini reali  che emergono si spezzano e si ricompongono in nuove traiettorie. Il romanticismo si scontra con la violenza, la poesia con la brutalità, il lirismo con il caos. Cry Why è un cortocircuito di senso e percezione, un mix elettrico tra il lirismo di Holiday on Ice e l’energia sovversiva del cyberpunk.

Moritz Ostruschnjak Originario della scena street art, ha sviluppato il suo interesse per la danza contemporanea attraverso il breakdancing. Ha studiato dal 2001 al 2003 presso l’Iwanson International di Monaco e ha completato la sua formazione con Maurice Béjart a Losanna. Successivamente, ha lavorato come ballerino sia in Germania che all’estero. Dal 2013, è un coreografo freelance a Monaco, con alle spalle una decina di produzioni proprie, l’ultima delle quali è “CRY WHY”, un duetto per due ballerini, due pianoforti, due pattini a rotelle e un pianista, presentato nel 2024. Le sue opere sono state ospitate in numerosi festival europei e selezionate tre volte per la TANZPLATTFORM DEUTSCHLAND. Oltre alle sue creazioni personali, Ostruschnjak realizza anche lavori su commissione, come “TRAILER PARK” per il tanzmainz ensemble nel 2023. È stato selezionato come uno degli artisti di Aerowaves Twenty22, ha ricevuto il Förderpreis Tanz della città di Monaco e fa parte della Bavarian Academy of Fine Arts e di Tanztendenz München e.V.

Di e con Ginevra Panzetti / Enrico Ticconi
musiche Demetrio Castellucci
luci Annegret Schalke
costumi Ginevra Panzetti / Enrico Ticconi
coach sbandieratore Carlo Lobina / Associazione sbandieratori di Arezzo
cura tecnica Paolo Tizianel
touring e promozione Aurélie Martin
management produzione VAN
video documentation Ettore Spezza
realized through the support of Premio Hermès Danza Triennale Milano
Awards Premio Hermès, Danza Triennale Milano

PRIMA REGIONALE

AeReA è la prima parte di un dittico che si articola attorno a un oggetto sin dal principio impiegato per manifestare appartenenza e separazione, marcando il distinguo tra un ipotetico noi da loro. La bandiera.
In costante prossimità, come facenti parte di un’unica anatomia, umani e bandiere compaiono da un fitto buio, lasciando solo a loro la possibilità di manifestarsi in immagini. Le bandiere di un grigio argenteo, si presentano ripulite da stemmi, simboli, sino a raggiungere la loro essenza plastica. Un punto zero privo di connotazioni in cui tutto può emergere, cominciare o sparire. Come appartenenti ad un passato prossimo o remoto, figure fantasmatiche prendono corpo in una partitura di svelamenti, evocando una stretta quanto antica fratellanza tra due oggetti tessili, bandiera e sudario.
Il titolo fa riferimento a due parole che graficamente sovrapponibili possono emergere da un unico vocabolo: Ara-Aerea. La prima allude al luogo, che nell’antichità veniva deputato al sacrificio, qui inteso come meccanismo generatore di morte, inflitta in dono a chi veniva riconosciuto il potere più alto. La seconda indica la qualità fisica dell’oggetto bandiera che si dichiara, nella sua maggior espressione di potere una volta che si estende, librandosi in aria.

Ginevra Panzetti / Enrico Ticconi Duo artistico dal 2008. Vivono tra Berlino e Torino, la loro ricerca si sviluppa nell’ambito della danza, della performance e dell’arte visiva. Approfondendo tematiche legate alla storica unione tra comunicazione, violenza e potere, attingono ad immaginari antichi costruendo immagini ibride tra storia e contemporaneità. Il loro lavoro ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali tra cui il Premio Danza&Danza come Migliori Coreografi Emergenti nel 2019 e il Premio Hermes Danza alla Triennale di Milano nello stesso anno. Selezionati nel 2020 per il progetto internazionale ÉTAPE DANSE, si sono esibiti nei festival europei più prestigiosi oltre che in Giappone, Brasile, Libano e Giordania. Dal 2020 la loro pratica coreografica di duo che li vede spesso interpreti delle proprie composizioni, si arricchisce del lavoro di creazione per altre compagnie quali T.H.E Dance Company (SG), Dance On Ensemble (DE), MM Contemporary Dance Company (IT). Uno dei loro ultimi lavori coreografici, INSEL, per 4 interpreti, ha debuttato nel 2023 al Tanz Im August Festival di Berlino.

Da un’idea di Leo Monti
Con i performers dei Campi Gravitazionali
Tutoraggio e accompagnamento alla creazione Paolo De Santis e Francesca Cinalli – Tecnologia Filosofica

Nato in seno al progetto Campi Gravitazionali da un laboratorio di creazione di strumenti musicali che non esistono, StraniVari attraversa gli spazi della Lavanderia a Vapore lungo un itinerario performativo che evoca l’idea della fiera di paese, tra fenomeni da baraccone e scatole sonore. L’itinerario culmina nell’assemblaggio di una creatura organico-feticcia, il matto per eccellenza.
Da quali suoni ci aspettiamo di essere travolti non appena mettiamo piede in una festa di paese o in un circo?
Come queste sonorità possono essere liberate dalle scatole che le contengono?
Queste sono alcune delle domande che ci poniamo nel corso di questo attraversamento, domande alle quali proveremo a dare risposta anche con la partecipazione del pubblico.

Performance di Lovísa Ósk Gunnarsdóttir
Compagnia Lovisa Ósk Gunnarsdóttir, Ólöf Ingólfsdóttir, Kristjana Stefánsdóttir, Arndís Guðmundsdóttir
Performer Emanuela Crovella, Claudia Reichenbach, Silvia Fiandino, Sara Musolino, Giovanna Ciquera, Sabina Struppi, Lidia Cucchedda, Silvana Alessandra Dal Piaz, Patrizia Matrella, Paola Cannone, Silvana Castiglia, Maria Jose Revert Signes, Stefania Barzon, Silvia Venturini

Un ringraziamento speciale a tutte le donne che hanno partecipato al progetto tramite la open call promossa nell’ambito del programma di circuitazione Perform Europe

Il lavoro affronta il silenzio e il tabù che sembrano avvolgere la menopausa nella società occidentale, invitando il pubblico in un mondo di vulnerabilità, vergogna, empatia e umorismo. La performance è la conclusione di un percorso condiviso con un gruppo di donne invitate a partecipare tramite open call.

Dalle ore 18.30 in teatro APERITIVO EFFERVESCENTE a cura di Associazione Renken

di Kadri Sirel, Eugenia Coscarella 

Sprigioniamo le memorie invernali per incontrarle sensualmente. Il loro profumo, il tatto, il colore, il suono, cosa evocano in noi? Cosa accende nel nostro presente, durante l’esperienza di Spring Rolls?
Una pratica rituale invita a connetterci con la memoria, come coreografia liquida. In un magico totem d’acqua calda rilasciamo ricordi, emozioni, affettività, paure, desideri. 
Liberiamo le essenze, sciogliamo i confini, ci apriamo a una nuova mescolanza. 

La mescolanza è la promessa di un nuovo futuro?
Qual è la sua consistenza?
Come vogliamo portarla via con noi? 

Prenotazione gratuita all’indirizzo email pedrazzoli@lavanderiaavapore.eu

un progetto di Anna Basti
con la collaborazione critica di Ariadne Mikou
Associazione Chiasma
realizzato con il sostegno della Lavanderia a Vapore nell’ambito del programma “Residenze Trampolino”
Artiste e artisti coinvolti per Lavanderia a Vapore: Viola Scaglione/Balletto Teatro di Torino; Elena Rolla/Compagnia EgriBiancoDanza; Amina Amici/Compagnia Zerogrammi
scuole partecipanti: Ad’a Dance Studio, Apid Piemonte, asd Sport 8, Artemovimento – centro di ricerca coreografica, Fondazione Egri per la Danza (Alta Formazione Egri Danza), Il Gabbiano Danza, Mamadanse, Scuola del Balletto Teatro di Torino, Tilde Danza

Momento conclusivo del progetto sviluppato nel corso dei mesi precedenti, con oltre 80 persone partecipanti. Una riscrittura dell’opera classica con gruppi di non professionisti e comunità specifiche, usando il repertorio come strumento per riflettere sul contemporaneo. I corpi che hanno attraversato questo percorso danno vita a La companie des étoiles, raggruppamento temporaneo cangiante e mutevole, in cui la gerarchia che normalmente informa le compagnie dedite al repertorio, viene annullata.

Si inizia con un riscaldamento/warm up aperto a tutta la cittadinanza con il format LE CLASSIQUE C’EST CHIC! di Anna Basti.

progetto a cura di DOM
liberamente ispirato al film di Peter Weir Picnic at Hanging Rock
set design, testi e direzione artistica Leonardo Delogu, Valerio Sirna
in dialogo con Daniela Angelucci, Emanuela Freire,
sound design Lemmo
supporto tecnico Mael Veisse
produzione Sardegna Teatro, Fuorimargine – Centro di Produzione di Danza e Arti Performative della Sardegna
anteprima nazionale

Un, pic-nic sul ciglio della notte, un bivacco temporaneo per racconti notturni.
Intrecciando la ricerca intorno al gesto del camminare e del nomadismo con il tema della stanzialità e dell’abitazione leggera dello spazio pubblico, in questa opera site-specific DOM invita il pubblico a un esercizio collettivo di riposo e sospensione.
Quando la notte scende gli orologi si fermano, la percezione si slabbra, il paesaggio emana messaggi indecifrabili, languidi come il calore che si alza dal terreno mentre l’umidità scende dal cielo e dai tronchi, Gli abiti di mussola si adagiano sull’erba e sulle rocce scuro, qualcuno si allontana. La natura appare allora in tutta la sua carica seduttiva, richiama i corpi a sé, invita a posarsi e a perdersi, emette una chiamata irresistibile ad andare al di là, a oltrepassare la soglia tra sogno e veglia. Un urlo sulla soglia dell’esperienza da cui non si torna o, se si torna, non si hanno le parole per raccontarla.

Inizio ore 18.00: Lavanderia a Vapore
Fine ore 21.00: Parco della Certosa

a seguire, selezioni musicali a cura di Valerio Sirna e Anna Basti