Per artistə

progetto di AMR/DALISI
regia e coreografia di Alessio Maria Romano
cast Mattéo Trutat, Francesca Linnea Ugolini
dramaturg Linda Dalisi
drammaturgia sonora Franco Visioli
spazio scenicoGiuseppe Stellato
progetto luci Giulia Pastore
costumi Giada Masi
consulente scientifico Prof. Enrico Trincherini (Scuola Normale Superiore)
assistente alla creazione Riccardo Micheletti
produzione TPE – Teatro Piemonte Europa
in collaborazione con Piemonte dal Vivo
all’interno del progetto Residenze coreografiche della Lavanderia a Vapore

Residenza coreografica in preparazione del debutto di PRINCIPIA al Teatro Astra di Torino, dal 18 al 23 aprile, all’interno della stagione di TPE – Teatro Piemonte Europa.

Una ragnatela nella notte dei tempi ha accolto la prima luce e da allora accompagna la vita del cosmo con un legame misterioso e silenzioso. La materia oscura è ovunque. Come un’impalcatura cosmica, interconnette l’universo e tiene insieme le galassie. Una presenza tanto importante quanto misteriosa. Nell’universo la materia oscura e quella ordinaria si parlano usando un linguaggio segreto: un dialogo che avviene grazie alla gravità, ma con modalità che la scienza finora non è stata in grado di comprendere a fondo. Nuova produzione del TPE – Teatro Astra, Principia è un esperimento. A partire dagli studi sulla materia oscura, Alessio Maria Romano, regista e coreografo, coadiuvato dalla drammaturgia di Linda Dalisi, costruisce un gioco scenico in cui danza, suono, spazio e luce cercano di restituire la complessità affascinante di un linguaggio scientifico che sfida i confini della logica pur radicandosi fortemente nella realtà quotidiana di tutti noi. Una sorta di scatola magica che a volte assume anche le sembianze semplici di una radio che trasmette un concerto, un ricordo, un insieme di informazioni o un messaggio perduto nell’etere. Le onde elettromagnetiche, le onde sonore e quelle gravitazionali, creano un reticolo di relazioni che raccontano e custodiscono la memoria, viaggiando talvolta a velocità inimmaginabili, eppure avvolgendo sempre l’essere umano e i suoi sentimenti.

coreografia Daniele Ninarello
assistente alla creazione Elena Giannotti
dramaturg Gaia Clotilde Chernetich
produzione Codeduomo
creazione sostenuta da Étape Danse
con il sostegno di CSC Centro per la Scena Contemporanea
progetto di cooperazione internazionale ON MOBILISATION finanziato dal programma Creative Europe della Commissione Europea

Partendo dalle azioni “proteste silenziose” generate durante i periodi di lockdown, nasce l’idea di una nuova creazione di gruppo, dedicata al concetto di protesta. Il desiderio di attraversare un tempo in cui i/le performer possano abbandonarsi ad uno spazio che si costruiscono reciprocamente dove è possibile esporre i propri corpi vulnerabili. In questo spazio i corpi procedono insieme attraverso una danza che nasce da un vero e proprio processo di flusso di coscienza, per liberare le tensioni accumulate nel tempo e dare movimento e voce a rivoluzioni rimandate, trattenute. Il tempo che stiamo attraversando richiede una riflessione sul senso di cura, partecipazione, ascolto e guarigione. I corpi subiscono continui dettati dall’esterno, sono territori colonizzati dalla cultura del controllo, della violenza e dell’offesa; la nostra vulnerabilità costretta a non esprimersi, a non essere osservata, celebrata. L’intenzione è di costruire uno speech che si scrive nel presente, come protesta dei corpi che si offre alla collettività, le proprie vulnerabilità esposte e le ferite aperte.

con Industria Indipendente, Silvia Calderoni, Yva
produzione sonora in collaborazione con Steve Pepe
illuminazione in collaborazione con Luca Brinchi

Industria Indipendente sviluppa una ricerca radicata nel linguaggio: una scrittura espansa che si inscrive su corpi, ambienti, superfici; che diventa azione e performatività; che si liquefà e si espande in suono, voce e luce; che apre, contamina, offusca i confini tra me e te, sé e mondo, noi e gli altri, qui e altrove. Il loro nuovo progetto – La Mano Sinistra (“La mano sinistra”) – usa la magia come un prisma per “riscrivere e manipolare l’ordine simbolico: spazio di relazione e uguaglianza tra l’essere umano e il mondo.” Qui la scrittura si fa formula, poesia, incantesimo, allusione, invocazione ed evocazione, in tensione con la degerarchizzazione delle relazioni tra corpo e materia, conoscenza e azione, soggetto e ambiente, suono e aspetto fisico luminoso. Alla Lavanderia a Vapore, insieme a Silvia Calderoni e Yva, iscrivono un paesaggio sonoro ambientale, attraversabile e abitativo, nella forma di un happening, aperto all’altr*, “in uno “spazio caosmotico – un luogo di possibilità e risonanze poliritmiche e polifoniche”.

Un percorso di formazione tra Italia e Regno Unito
di OrienteOccidente e Stopgap Dance Company
sostenuto da British Council
nell’ambito di International Collaboration Grant

Leggi la call per partecipare: clicca qui.

Uguaglianza, diversità e inclusione sono i capisaldi alla base del progetto che pone al centro la leadership di artisti disabili e lo sviluppo del talento. Protagonisti OrienteOccidente e Stopgap Dance Company, compagnia britannica attiva nell’ambito dell’integrazione di persone disabili e non attraverso la danza. Secondo la ricerca Time to act, condotta da British Council e On the Move, ben l’87% infatti dei responsabili nel settore delle arti performative non coinvolge persone disabili nei propri comitati di selezione o nei processi di sviluppo di nuovi lavori e progetti.

CORPO VEGETALE Monstera Deliciosa, Ficus Lyrata e Eugenia Myrtifolia
CORPO TECNOLOGICO Sintetizzatore analogico, Biodata sonification Device, PC, Ableton Live
CORPO UMANO
FLAVIA ZAGANELLI // concept, ricerca, creazione, danza, voce
CECILIA STACCHIOTTI // ricerca e suono
FABRIZIO PIRO // disegno luci
ELENA MATTIOLI – LELE MARCOJANNI // video

electrica /ecosi’stɛma/ è stato ospitato in residenza da: Santarcangelo Festival, DAS Dispositivo Arti Sperimentali, Fienile Fluò con il sostegno di h(abita)t – Rete di Spazi per la Danza in collaborazione con Crexida, Paleotto11.NO TITLE nella versione EXPANDED ha vinto il Bando Abitante 2021 ed è stato ospitato in residenza da P.I.A. Palazzina Indiano Arte e Corniolo Art Platform, dando vita ad INVISIBILIA, progetto realizzato con il sostegno di Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni e di Fondazione CR Firenze

electrica /ecosi’stɛma/ è un’indagine performativa sulla relazione tra tre universi: il vegetale, il tecnologico e l’umano. La residenza alla Lavanderia a Vapore precede il debutto del lavoro, programmato per il 25 febbraio allo Spazio Kor di Asti, all’interno della stagione NODO PIANO curata da Chiara Bersani e Giulia Traversi.

electrica /ecosi’stɛma/ indaga la relazione tra corpi vegetali, umani e tecnologici grazie a vibrazioni muscolari, riverberi sonori, energie clorofilliane e impulsi elettrici utilizzando i linguaggi della musica elettronica live, della danza contemporanea e della biodata sonification. L’indagine parte dall’utilizzo di un dispositivo, chiamato Midi Sprout che, se collegato alle foglie di una pianta, tramite due elettrodi è in grado di recepire gli impulsi elettrici emessi dalla pianta stessa (biodata) e di trasformarli in segnali Midi. Tali segnali vengono trasformati in note o segnali di controllo (sonification) ed elaborati live dalla sound designer che crea la traccia sonora. Il corpo, influenzato dal campo elettrico delle piante e attraversato dal suono, lascia emergere il movimento, la danza e così, a sua volta altera il proprio campo energetico/elettrico, influenzando l’emissione di impulsi da parte delle piante. A partire da questo primo meccanismo circolare di entanglement, electrica /ecosi’stɛma/ intende svilupparne altri ed indagarne le potenziali possibilità. electrica /ecosi’stɛma/ immagina sé stesso come un’ecosistema, uno spazio-tempo sospeso e indefinito che vede la compresenza di corpi visibili, quelli umani, vegetali e tecnologici e di corpi invisibili, quelli sonori, energetici, e vibrazionali. electrica /ecosi’stɛma/ attinge dal mondo del Rito e si slancia verso un Futuro Possibile.

concept, coreografia e performance Teresa Noronha Feio
danzatrice accompagnatrice del processo Laura Gazzani
composizione sonora Alessandra Bossa
samples musicali Coro Gulbenkian
scent designer Elena Cobez
scenografia Lidia Zanelli
sguardo esterno alla coreografia Francesca Cinalli
sguardo drammaturgico e teorico Giuliana Pititu
ringraziamenti Francesco Sgrò
ph. Stefano Mazzotta
produzione esecutiva Cordata F.O.R.
sostegni Casa Luft / Zerogrammi (all’interno di PERMUTAZIONI coworking coreografico in collaborazione con Residenze Lavanderia a Vapore / Fondazione Piemonte dal Vivo), Spazio Zut! (all’interno del progetto Umbria una terra che ti muove di ATS CURA con il contributo di Regione Umbria e MIC), Sosta Palmizi e Fabbrica C 

La presentazione dello studio si inserisce nei giorni di sviluppo della residenza collettiva di formazione tecnica τέχνη/téchne di cui Teresa Noronha Feio è stata vincitrice per l’edizione 2022.

A TALE FOR THE ROOTLESS nasce dal desiderio di consolidare il sapere che porto nel mio bagaglio dalle collaborazioni con coreografi, ricercatori, artisti di circo e dai molti viaggi che ho vissuto. Oggi mi sento vicina al consolidamento della mia “forma di vita” come autrice. (T. Noronha Feio)

A TALE FOR THE ROOTLESS è un solo coreografico multidisciplinare, ispirato al saggio Poetica della relazione di Édouard Glissant. Lo scritto martinicano affronta temi come l’identità e la creolizzazione delle culture. Il lavoro ha origine da un’esplorazione della corporeità della performer: si tenta una sua ricostruzione identitaria tramite l’attraversamento di memorie, archivi familiari e storici, profumi e sonorità provenienti dal patrimonio paesaggistico lusitano. Il corpo, la parola e gli odori sono le materie focali del lavoro e diventano anzi le bussole che orientano e legittimano l’indagine verso un’identità mondializzata, sequel della colonizzazione. Un’indagine che mantiene come proprio concetto basilare quello del nomadismo errante.

residenza collettiva di formazione tecnica
tutor Gianni Staropoli
con Fabritia D’Intino, Teodora Grano e Federico Scettri

Quali sono gli incontri generativi e necessari? Come si riflette nelle estetiche e nei processi creativi?  Di quali condizioni strutturali e incontri i processi e lə artistə hanno bisogno?

La Lavanderia a Vapore tenta di rispondere a queste domande offrendo uno spazio-tempo protetto e poroso, innervato di relazioni, in linea con la direttrice drammaturgica scelta per la stagione in corso e riassunta nel claim “Maneggiare con CURA”. Il Centro di Residenza di Collegno declina infatti la cura anche come specifico approccio alla curatela artistica, cercando forme e progetti capaci di rileggere le simmetrie del comparto e diffondere una cultura del fare collettivo. In questo alveo si inserisce il bando τέχνη – téchne, che per l’edizione 2023 si trasforma in una residenza collettiva di formazione tecnica rivolta a 3 coreografə e compagnie di danza, guidatə da Gianni Staropoli, light designer, in un percorso intensivo dedicato alla drammaturgia della luce e all’esplorazione della dimensione tecnica come aspetto fondante del processo creativo, tra strumentazione e possibilità. Un percorso di formazione condivisa e collaborativa in cui i partecipanti, a partire da un proprio progetto artistico in divenire, avranno modo di scandagliare visioni e nozioni pratiche relative alle componenti della luce, del suono e dello spazio al fine di leggere e comprendere la tecnica non come elemento da configurare nella fase conclusiva del prodotto artistico, ma come dimensione da pensare in nuce, in quanto stratificazione della drammaturgia del progetto.

CONCERTO_THE INVISIBLE DANCE
di e con Fabritia D’Intino
con la collaborazione di Federico Scettri

Il progetto, pensato come un concerto-performance animato da una presenza sonora e una fisica, è diluito in forma di ambiente, spazio installativo, chill zone. Il pubblico è disposto irregolarmente, seduto o sdraiato comodamente. La luce alterna stati crepuscolari, notturni e fluorescenti. La logica e la sintassi del lavoro si muovono attorno all’idea di “danza che si fa invisibile”, di un corpo cioè che sceglie di manifestarsi negando o de-prioritizzando la percezione retinica. Dance like nobody’s watching è pertanto il claim motore della ricerca. Che ne è della danza se nessuno la vede? Un momento di riposo dall’iper-esposizione del corpo e del sé. Un nuovo patto tra pubblico e performer, in cui si tradisce il paradigma teatrale, per concedersi un momento di pausa, di rilascio, di sparizione.

DAUGHTERS
di e con Teodora Grano
sostenuto da MAROSI
all’interno del progetto di ricerca e mentoring coreografico Around a process of making 2022
e parte dell’azione di supporto della Rete Anticorpi SupportER 2023-2024

Molte cose sono dipese dal fatto di chiamarmi Teodora.
Tutti dicono che sono la copia di mia madre.
Ma io non gli ho mai creduto.
Preferisco non avere debiti con nessuno.
Misuro in lunghezza 150 centimetri esatti.
Le mie ossa sono atee.
Sono nata in primavera.
Ho scoperto a 20 anni di avere un corpo.
Le cose preferisco ricordarle a modo mio.

La porta di ingresso che mi ha portata alla danza è stata quella del piacere e forse dell’ignoranza. In uno stato di danza cerco una certa infanzia, una randomness illogica, un formalismo punk. Confluiscono in me certe influenze: il cinema e la letteratura sono sempre presenti, come un filtro, ma la pratica che più informa il mio corpo e il mio pensiero è la scrittura. La mia pratica è profondamente orientata alla creazione nel dialogo. Le esperienze che cerco sono quelle della creazione e ricerca in dinamiche collettive e relazionali. Interrogare i rapporti tra scrittura e danza per me sottintende a un discorso più ampio del puro come la pratica dello scrivere sia già storicamente legata a quella del movimento. Non è una forma collaterale alla pratica del corpo, entrambe sono figlie simultaneamente ed insieme. Questo è il tema che anima la mia ricerca. (T. G.)

progetto di AMR/DALISI
regia e coreografia di Alessio Maria Romano
cast Mattéo Trutat, Francesca Linnea Ugolini
dramaturg Linda Dalisi
drammaturgia sonora Franco Visioli
spazio scenicoGiuseppe Stellato
progetto luci Giulia Pastore
costumi Giada Masi
consulente scientifico Prof. Enrico Trincherini (Scuola Normale Superiore)
assistente alla creazione Riccardo Micheletti
produzione TPE – Teatro Piemonte Europa
in collaborazione con Piemonte dal Vivo
all’interno del progetto Residenze coreografiche della Lavanderia a Vapore

Residenza coreografica in preparazione del debutto di PRINCIPIA al Teatro Astra di Torino, dal 18 al 23 aprile, all’interno della stagione di TPE – Teatro Piemonte Europa.

Una ragnatela nella notte dei tempi ha accolto la prima luce e da allora accompagna la vita del cosmo con un legame misterioso e silenzioso. La materia oscura è ovunque. Come un’impalcatura cosmica, interconnette l’universo e tiene insieme le galassie. Una presenza tanto importante quanto misteriosa. Nell’universo la materia oscura e quella ordinaria si parlano usando un linguaggio segreto: un dialogo che avviene grazie alla gravità, ma con modalità che la scienza finora non è stata in grado di comprendere a fondo. Nuova produzione del TPE – Teatro Astra, Principia è un esperimento. A partire dagli studi sulla materia oscura, Alessio Maria Romano, regista e coreografo, coadiuvato dalla drammaturgia di Linda Dalisi, costruisce un gioco scenico in cui danza, suono, spazio e luce cercano di restituire la complessità affascinante di un linguaggio scientifico che sfida i confini della logica pur radicandosi fortemente nella realtà quotidiana di tutti noi. Una sorta di scatola magica che a volte assume anche le sembianze semplici di una radio che trasmette un concerto, un ricordo, un insieme di informazioni o un messaggio perduto nell’etere. Le onde elettromagnetiche, le onde sonore e quelle gravitazionali, creano un reticolo di relazioni che raccontano e custodiscono la memoria, viaggiando talvolta a velocità inimmaginabili, eppure avvolgendo sempre l’essere umano e i suoi sentimenti.

di Silvia Calderoni e Ilenia Caleo
con Giacomo AG, Tony Allotta, Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Gabriele Lepera, Federico Morini, Ondina Quadri
cura e produzione Elisa Bartolucci
consulenza drammaturgica Antonia Ferrante e moltx amicx praticanti
residenze artistiche e co-produzioni Mattatoio Roma, Festival Buffalo (Roma), Kampnagel (Hamburg), Vooruit (Ghent), MotusVague

Note drammaturgiche

Ho visto un documentario su un polpo. breve. degli anni sessanta. la voce parlava francese, capito poco, nulla direi. ma aveva un andamento terrorifico, da horror. sussultavo ad ogni attacco di frase. il polpo aveva la granulosità metallica della pellicola in technicolor. per via della voce narrante, e anche della sonorizzazione, sembrava un assassino. si muoveva, pericoloso, sui fondali, tentacolare. vischioso. ma del resto era un polpo, faceva il suo lavoro. chissà, se era sempre lo stesso polpo. me lo chiedo spesso, quando guardo i documentari. se il polpo di cui seguiamo le vicende, il leone acquattato, il coleottero melolontha siano sempre lo stesso polpo lo stesso leone lo stesso coleottero. o non siano individui diversi, ripresi in momenti e magari anche in luoghi diversi. sarei in grado di distinguerli l’uno dall’altro? e che cos’è, che sappiamo distinguere con certezza?

Alcune cose che ci interessano. I disturbi della memoria. Proprio le interferenze, i buchi. La solitudine, ma forse al plurale: le solitudini. Una serie di solitudini. Molto spazio vuoto attorno a un corpo. I battuage. Un’utopia dei corpi di cui non abbiamo esperienza.
Forse potremmo cercare una zona comune, di indiscernibilità, e iniziare ad abitarla.
O forse invece ciò che separa e distingue un disturbo, da una condizione, da una scopata.
D.W. in un suo lavoro cuce insieme due pezzi di pane raffermo, con un filo rosso. Per rifare l’intero, impossibile. Per fermare la vita, dilazionare la morte.
O forse potremmo buttare tutto alle ortiche. Sono fortunate le ortiche. Hanno tante idee scartare di cui nutrirsi.

Nodi generativi / di ricerca

– l’utopia dei corpi. Del cruising: il modo dello sguardo. Il disporsi dei corpi. La potenzialità di quella comunità di corpi senza norma. Che scrittura può diventare?
– ci interessa tutto questo perché è qualcosa di cui non abbiamo esperienza, in quanto donne lesbiche. Ci interessa trattare una materia di cui non abbiamo esperienza diretta, che non può dunque per noi essere documentata. Ciò che sappiamo, lo abbiamo imparato o intuito attraverso i nostri amici e fratelli froci, dai loro racconti o allusioni. Un mondo parallelo che per noi è inaccessibile. A cui accediamo solo attraverso, per comunanza di affetti.
– l’esperienza storica –artistica e sessuale –dei Piers di NYC:_lo spazio ––capannoni abbandonati che diventano immensi battuage nello spazio urbano. Ilnon controllato dentro la città. Ilfuori contesto._i Buchi: vederi i corpi da fessure, da muri mezzo diroccati, da finestre. Guardare dal buco, da sopra una staccionata, da una finestra. Lo spazio che diventa inquadratura. Studio sulle inquadrature, creazione di cornici, di frame anche materiali.
– i corpi nudi. Il repertorio di gesti a disposizione.
– i corpi distesi: corpi distesi che parlano, che fumano. Come sta un corpo disteso in scena? Può essere solo per terra? Quell’abbandono, vulnerabilità. La parola che trabocca, solo da corpo disteso.
– del battuage: l’outdoor. Il modello politico delle relazioni del sesso in pubblico. Scambio di sesso a titolo gratuito. Il prendersi cura tra molti e sconosciuti.
– i culi.
– gay cruising, drug use, and artistic experimentation/ quel pieno di invenzione e di forme di vita prima dell’arrivo dell’AIDS.
– il desiderio struggente di comunità.
– i detriti le rovine un mondo a pezzi.
– un passato che diventa baluginio del futuro, perché non coincide con il presente.

Nota biografica

Silvia Calderoni
Attrice e performer, si forma artisticamente da giovanissima con la coreografa Monica Francia e con la compagnia Teatro della Valdoca, di cui è stata interprete in diverse produzioni tra cui Paesaggio con fratello rotto. Dal 2006 è parte attiva della compagnia Motus ed è interprete negli spettacoli Rumore Rosa, A place, ICS – racconti crudeli della giovinezza, Crac, Let the sunshine in, Too-late, Iovadovia, Tre atti pubblici, Alexis. Una tragedia greca, nella tempesta, Caliban Cannibal, King Arthur, Tutto brucia, ospitati in numerosi festival nazionali e internazionali. È protagonista di The Plot is the Revolution a fianco di Judith Malina, storica fondatrice del Living Theatre. Dal 2015 è in tournée nei principali teatri e festival internazionali con il solo MDLSX, di cui firma anche la drammaturgia insieme a Daniela Nicolò. Nel 2022 sarà in scena ancora con Valdoca con Enigma. Requiem per Pinocchio. Premio Ubu 2009 come miglior attrice under 30, al cinema è Kaspar in La leggenda di Kaspar Hauser,film cult diretto da Davide Manuli (2012), e poi in Last Words (2020) di Jonathan Nossiter con Nick Nolte, Kalipha Touray, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgard, Alba Rohrwacher, nella serie Sky Romolus, diretta da Matteo Rovere e in Non mi uccidere (2021) di Andrea De Sica. È artista associata di Queering Platform del Kowloon Cultural District di Hong Kong.

Ilenia Caleo
Performer, attivista e ricercatrice, dal 2000 lavora nella scena contemporanea, collaborando con diverse compagnie e registe/i, tra cui Motus, Lisa Ferlazzo Natoli, Davide Iodice. Filosofa di formazione, ha svolto un dottorato di ricerca tra performance studies e filosofia politica all’Università La Sapienza di Roma. Si occupa di corporeità, epistemologie femministe, sperimentazioni nelle performing arts, nuove istituzioni e forme del lavoro culturale. È ricercatrice allo IUAV di Venezia e coordinatrice del Modulo Arti del Master Studi e Politiche di Genere di Roma Tre, e collabora con il gruppo di ricerca del progetto quinquennale “INCOMMON. In praise of community. Shared creativity in arts and politics in Italy (1959-1979)”, ERC Starting Grant. Ha pubblicato il volume Performance, materia, affetti. Una cartografia femminista, Bulzoni 2021 e co-curato In fiamme. La performance nello spazio delle lotte 1967/1979, b-r-u-n-o 2021. Attivista del Teatro Valle Occupato e nei movimenti dei commons e queer-femministi, è cresciuta politicamente e artisticamente nella scena delle contro-culture underground e dei centri sociali.

un lavoro di Giorgia Ohanesian Nardin
con Giorgia Ohanesian Nardin
suono F. De Isabella
disegno costume Max Simonetto | naturaviolenta
foto credits Tiziano Demuro

Allora io supplico
Che non smetta mai il suono della pioggia
Che sia sempre l’attrito adalimentarmi
Che ci sia chiarezza e non distinzione
Che io non abbia più bisogno di sentirmi credut_ per sentirmi presente
Che ardore e pazienza non si estinguano vicendevolmente
Come non si annientano l’acqua e il fuoco che mi
compongono
e non sto parlando di
opposti

Anahit è, nella tradizione Armena pagana, la divinità posta a guardia e custodia dell’acqua e di tutto ciò che è fluido. Nonostante sia successivamente stata assimilata al culto della Madonna, Anahit continua a essere celebrata in Armenia e nelle diaspore ogni 24 Luglio nella giornata del Vardavar, ricorrenza durante la quale le persone si regalano acqua e rose in segno di buona sorte e tutte le strade delle città vengono lavate da secchiate d’acqua gettata dai balconi delle case, dalle macchine, nelle piazze. Il nome di Anahit porta fortuna a chiunque ne celebri il culto. Anahit guarda alla relazione tra sedimenti e detriti, geografie inscritte nel corpo, alla vibrazione come metodo. Legando la ricerca iniziata con Գիշեր | gisher al lavoro di riappropriazione delle geografie somatiche da un punto di vista decoloniale che conduce da anni nel contesto di Pleasure Body, Giorgia Ohanesian Nardin disegna con Anahit un solo per il proprio corpo, una costellazione, un formato ad appunti che oscilla tra parola, movimento e panorama sonoro.

Giorgia Ohanesian Nardin è artista, ricercator_ indipendente e agitator_ queer di discendenza Armena. La sua ricerca si compone di eventi pedagogici e performativi che focalizzano l’esperienza del piacere come forma di resistenza all’oppressione sistemica, mettendo in relazione un approccio transfemminista queer con lo studio di pratiche somatiche. Educat_ nell’ambito della danza, il suo lavoro si manifesta in movimenti/video/testo/coreografia/suono/raduni e ha a che vedere con narrazioni attorno all’ostilità, strategie di sopravvivenza, riposo, frizioni, sensualità e cura.

con Daniele Ninarello e Patricia Carolin Mai
nell’ambito di Shared Training Torino

Daniele Ninarello e Patricia Carolin Mai incontrano Shared Training Torino, condividendo pratiche di movimento sviluppate nel corso della propria residenza in Lavanderia a Vapore, THE SPACE OF RELATIONSHIP – Roses and Thorns. Esse indagano, da diversi punti di vista, i temi della reciprocità e della coscienza collettiva intesi quali motori generativi e trasformativi.

Shared Training Torino è un progetto per la condivisione di training e pratiche legate al corpo e al movimento, rivolto a danzatori e performers professionisti o con competenze avanzate ed esperienza nel campo del movimento. È un progetto collettivo che si muove nell’ambito della danza contemporanea, avviato nel 2017 da danzatori e performer professionisti con base a Torino, riuniti in un gruppo informale. Shared Training Torino promuove la condivisione di proposte, strumenti e pratiche al fine di scoprire nuove modalità di lavoro, incontrare punti di vista diversi per sondare e approfondire le proprie competenze, confrontarsi con esperienze e approcci al lavoro molteplici. Accanto alla necessità di garantire un allenamento costante per il professionista, il progetto intende essere un’occasione per attivare e consolidare una rete professionale di artisti sul territorio, sia stabili che di passaggio. Le azioni del progetto si focalizzano sul garantire attività regolari di sharing training, in collaborazione con altre realtà e progetti del territorio per incrementare le possibilità di scambio e incontro tra artisti.

Per partecipare è necessaria la prenotazione, scrivendo a:
sharedtrainingtorino@gmail.com

di e con Daniele Ninarello e Patricia Carolin Mai
da un progetto di Lavanderia a Vapore
in collaborazione con Goethe-Institut Torino

Ogni età porta con sé “le sue rose e le sue spine”…

Che cosa succede se un gruppo di giovani e di anziani si incontrano in uno spazio altro, che non appartiene alla quotidianità di nessuno dei due? Che cosa accade se questo spazio di incontro è costruito da un artista dell’espressione corporea, un coreografo? Quali rose e quali spine nelle espressioni velate del corpi attivano uno scambio, un’intesa, una relazione, uno spostamento di un punto di vista tra i partecipanti? Quali contenuti e metodi, emersi dal laboratorio possono costruire il canovaccio di un evento pubblico? In che modo questi contenuti sensibilizzano  il pubblico alla questione della responsabilità individuale del benessere collettivo, accorciando le distanze tra generazioni e ricucendo le ferite di un corpo sociale? 

Roses and Thorns è un progetto di Lavanderia a Vapore e Goethe-Institut. Prevede una residenza artistica finalizzata alla produzione di laboratori, eventi e contenuti multimediali che invitino un pubblico intergenerazionale a confrontarsi su tematiche socialmente rilevanti. Viene proposto a un coreografo italiano e a uno tedesco di condividere un tempo (due settimane) ed uno spazio (la Lavanderia a Vapore di Collegno) per creare una pratica artistica di movimento rivolta a un gruppo di amatori, composto da dieci giovani e dieci adulti/anziani. Il percorso diventa pretesto di dialogo già nei meccanismi di costruzione della comunità di lavoro, la quale si fonda sulla volontà dei ragazzi di condividere, con adulti loro prossimi, un’esperienza di incontro.