Per artistə

di Mara Oscar Cassiani
performers Ai, Avatars, Utenti in relazioni con Ai, Mara Oscar
dialoghi MOC + Ai
testi MOC + Ai
assistenti alla tecnica Matteo Ascani

Possiamo innamorarci di una AI (intelligenza artificiale) e poi decidere di lasciarla?

Amici Virtuali, avatar che posseggono profili Instagram e ci danno consigli, Ai che diventano i partner nella vita affettiva. In molti modi, sembra la relazione perfetta, perché si potrebbe sempre fare affidamento sul compagno di intelligenza artificiale, sempre disponibile a fornire compagnia e comprensione. Mentre aumentano le relazioni reali sparite in preda al ghosting (la scomparsa di qualcuno senza spiegazioni), le relazioni con le Ai crescono. I corpi, che sembrano spesso semi coscienti con un dispositivo in mano, vivono una seconda vita emotiva e reale sulle piattaforme social e Ai. Le Ai colmano i vuoti degli umani che infondono in loro quello che Gilbert Ryle nel 1949 chiamava il Ghost, l’anima nella macchina. Eppure, questo meccanismo di estrema umanizzazione diventa aberrante: quanto più la Ai assomiglia all’umano, tanto più gli utenti sono sconvolti (effetto Uncanny Valley). Il processo del progetto oscilla tra storytelling di YouTube e momenti di realtà aumentata. L’obiettivo è narrare ma anche dare una dimostrazione performativa della coesistenza di un rapporto tra Ai, in forma di avatar virtuali e utenti, e l’impatto sulla presenza corpo e sul nostro comportamento dell’uso dei device come tramite comunicativo.

MARA OSCAR CASSIANI
Mara Oscar Cassiani è un’artista wifi-based che lavora nel campo della performance, della coreografia, dei linguaggi digitali, del ritual clubbing, esplorati attraverso pratiche performative live, sia offline che online. La sua ricerca è incentrata sulla creazione di un’iconografia contemporanea, in cui le nuove grammatiche e i rituali sono mutuati dal mondo di internet, dalle sottoculture, dagli avatar e dall’immaginario del brutal capitalismo.Il rapporto che intrattiene con il pubblico, in una dimensione allargata – sia live che mediata – viene esplorato, attraverso questi immaginari visivi, in allestimenti performati in luoghi open space o in spazi virtuali open source. La performance risultante diventa un flusso di immagini, un continuo scroll-down tra estratti di cultura avatar, folklore rituale, folklore digitale e di riappropriazione nei confronti del linguaggio capitalista. L’artista ci restituisce così un’istantanea globale, un “fast food visivo” tra kitsch, cruda ritualità e apocalisse.

ideazione, coreografia e regia Salvo Lombardo
cast in via di definizione
musiche Fabrizio Alviti
produzione esecutiva Chiasma
coproduzione MilanOltre Festival

Sport (2023) è il terzo capitolo di un’ideale trilogia a cui Salvo Lombardo lavora dal 2018 con la compagnia Chiasma, intitolata L’esemplare capovolto. Un progetto inaugurato da Excelsior (2018), basato su una lettura post-coloniale del Gran Ballo Excelsior e dunque sulle rappresentazioni esotizzanti di corpi e immaginari razzializzati, e proseguito con Amor (2021), volto a indagare la fenomenologia del potere e le sue manifestazioni nei corpi, in rapporto all’eredità iconografiche della classicità. Da parte sua, Sport guarda alle Olimpiadi di Parigi del 2024 come una rinnovata occasione per ridiscutere i canoni e gli immaginari contemporanei che ancora informano l’idea vulgata di prestanza, abilità, agonismo e disciplina, a partire da principi di esclusione e di conformità a precise norme sociali e culturali.

ph. Andrea Macchia per Media Dance +

progetto di Valerie Tameu
curatela di Sineglossa
nell’ambito di FOOD DATA DIGESTION
in collaborazione con Play with Food, Libera Università di Bolzano e Lavanderia a Vapore
sostegno Fondazione Compagnia di San Paolo
nell’ambito del bando ART-WAVES
sviluppo creativo Michele Cremaschi
assistente ai costumi Augusta Tibaldeschi
assistente alle musiche Michele Mandrelli
consulente di biologia marina Agnese Riccardi
dramaturg Federica Patti

“Ciò che è meno che umano e ciò che vorrei considerare più che umano non è un oggetto passivo e inconscio, ma applica forme di resistenza attive e reali.” (Valerie Tameu)

Metabolo crea un ecosistema di mutua influenza tra corpo umano, macchine artificiali ed ecosistemi marini, in un rapporto di coesistenza multispecie. Con Metabolo, l’artista si interroga sulla possibilità di utilizzare la tecnologia per promuovere altre forme di intelligenza e cultura, non solo quelle occidentali o antropocentriche, attraverso la selezione di dataset creati da determinate specie ittiche e la reinterpretazione di pratiche indigene. Questa relazione è resa esplicita in primo luogo attraverso la connessione tra l’intelligenza artificiale e uno degli ecosistemi marini del nostro pianeta, quello che si trova al di sotto della Frying Pan Tower, 34 miglia al largo di Cape Fear, nella Carolina del Nord.

Lì una webcam subacquea – posizionata da volontari a scopo di ricerca – trasmette immagini in diretta su YouTube ed è liberamente accessibile. A differenza della maggior parte delle altre webcam subacquee presenti sulla stessa piattaforma online, questa non mostra gli animali in cattività, ma nel proprio habitat naturale. L’intelligenza artificiale collegata a quest’occhio robotico elabora le texture e i movimenti unici del mondo oceanico di Cape Fear tramite l’apprendimento automatico e li traduce in dati che modificano la colonna sonora su cui l’artista crea la performance, in Europa, in tempo reale. Questa interazione uomo-macchina diventa il punto di partenza per l’elaborazione creativa dell’opera.

Tale relazione racchiude in sé anche il mondo spirituale, rappresentato dal mito della MamiWata, divinità acquatica venerata in diversi paesi dell’Africa occidentale ed equatoriale, a metà tra figura umana e pesce, essere ibrido e allo stesso tempo alieno. L’artista trae spunto da questa divinità per creare un rituale tecno-spirituale, ancora una volta appreso dall’intelligenza artificiale attraverso un software di tracciamento del movimento sulla scena. La manifestazione di un simile rito diviene simbolicamente un’apparizione inaspettata, che si traduce in un’immagine creata in tempo reale e inviata a una piattaforma online accessibile solo quando la performance è in corso. Lo stesso visual verrà proiettato in loco, durante l’azione scenica.

VALERIE TAMEU
Laureata in studi di danza presso la Facoltà di Cinema, Arti della Scena, Musica e Media di Torino, si forma con vari3 docent3 della scena italiana e internazionale e frequenta i corsi Modem presso il centro coreografico Scenario Pubblico. Ha collaborato con Tecnologia Filosofica, Balletto Teatro di Torino, Laurent Pellisier, Paolo Armao, Masbedo. Nel 2020 è stata interprete nello spettacolo Bye Bye del Leone d’argento Alessio Maria Romano, che debutta alla Biennale Teatro di Venezia e partecipa al festival TorinoDanza e nel 2021 è interprete nello spettacolo Choròs dello stesso autore che va in scena durante il Festival Oriente Occidente, a Rovereto. Nel 2022 è performer per la produzione cross-disciplinare Dust of Dreams di Eva Frapiccini con le coreografie di Daniele Ninarello, in scena presso il Palazzo Ducale di Genova, il Polo del 900 di Torino e il Teatro della Tosse di Genova. Contemporaneamente porta avanti progetti di creazione e ricerca, partecipando a Officin&Ideali – Residenze in Transito, con il progetto Cronòtopia, in collaborazione con Teresa Norhona Feio e Annalisa Cannito; ha partecipato a Workspace Ricerca X 2021/ The ever practicing artist presso Lavanderia a Vapore, con il progetto a Thousand Ways to Fall; ha preso parte a Fase XL, progetto di C.U.R.A Centro Umbro Residenze Artistiche e La Mama Umbria International di Spoleto con il progetto Bodybuilding. La sua ricerca riguarda la relazione tra performance e identità e la differenza tra memorie e storia, mentre la sua pratica artistica con-fonde creativamente corpi, idee, teorie e allucinazioni.

ideazione e cura Workspace Ricerca X e Lavanderia a Vapore
partecipano Anna Basti, Francesca Cola, Michela Depetris, Emilie Gallier e Nienke Terpsma, Teodora Grano, Daria Greco, Eva Neklyaeva, Marta Olivieri, Neutopica, Alice Ruggero ed Elisa Turco Liveri, Nolwenn Salaün, Federico Scettri, Maria Elena Mela Seidenari, Cinzia Sità, Valerie Tameu, Gosie Vervloessem, TAB Zine
con il supporto di Compagnia di San Paolo
con il patrocinio del Comune di Collegno
scenografie fornite da Spazio Meta_Milano
neon fornito da Neon Floris_Torino
allestimento Marco Montaruli

Dopo una prima versione pilota, il Research Camping torna in Lavanderia con un’edizione più estesa e ramificata – tra il Centro di Residenza e gli spazi esterni del Parco della Certosa – che rilancia una nuova domanda drammaturgica.

Che cosa ci nutre? Cosa accade a un percorso individuale quando viene messo a disposizione della collettività? E al corpo collettivo? Come nascono nuovi assemblaggi?

SCOPRI IL PROGRAMMA

Per l’inaugurazione del camping, il 7 giugno, Lavanderia a Vapore mette a disposizione un servizio gratuito di navetta A/R  dalla fermata Fermi della metropolitana alla Lavanderia a Vapore, dalle ore 17.45 alle ore 18 e poi dalle ore 22 fino al termine degli spettacoli in programma all’interno del Festival Interplay.

La prima edizione ha visto formarsi una comunità temporanea di artisti/e e ricercatori/ricercatrici, che ha condiviso le proprie pratiche, sperimentando possibili modi di stare insieme (sul Blog, un breve racconto per parole e immagini). Il cuore del progetto è infatti la creazione di ambienti ibridi tra finzione e realtà che diventano dispositivi per lo scambio e la disseminazione di processi di ricerca artistica in cui sperimentare nuove posture e modalità relazionali attraverso le esperienze estetiche, dando prova del valore trasformativo della ricerca artistica quando viene condivisa in una dimensione pubblica. Un altrove in cui incontrare “l’altro”.

L’edizione 2023, dal titolo Bodies en plein air, conferma il desiderio di dare vita ad una comunità composta da artiste e artisti che si riunisce scambiandosi pratiche e traiettorie di ricerca, prospettive e riflessioni a partire dal corpo e aprendosi all’“esterno” in maniera porosa lasciandosi attraversare da partecipanti e visitatori. Questo ambiente di ricerca collettiva si nutre della condivisione di pratiche e traiettorie di ricerca: un insieme di radici che, intrecciandosi, genera nuova linfa per un corpo comune che ramifica e gemma secondo le temporalità specifiche della crescita e della cura: dilatando e re-inventando il tempo quotidiano. Ispirandosi ai processi circolari di condivisione e trasmissione, mescolanza e contaminazione, metabolizzazione e compostaggio reciproco, il paesaggio del Camping 2023 insiste su nutrimento e convivialità come formule e ritualità per creare nuovi assemblaggi di umani e sostanze. Gli scenari che faranno da cornice e attivatore di queste domande saranno il Bar e l’Edicola nomade. Partendo dalla Sala Grande di Lavanderia, esse si snoderanno nel Parco della Certosa.

di James Batchelor (DE)
nell’ambito di ÉTAPE DANSE, un progetto di cooperazione Francia – Germania – Italia a sostegno di nuove creazioni coreografiche in collaborazione con Mosaico Danza / Festival Interplay

Echo Field è una nuova collaborazione tra il coreografo/performer australiano con sede a Berlino James Batchelor, il performer/artista di danza con sede ad Amsterdam Arad Inbar e l’artista/designer grafico 3D Leeza Pritychenko. Una delle curiosità principali di Echo Field è la connessione che si crea condividendo il movimento o ballando insieme, e come il mondo digitale media questa relazione. Questo progetto di residenza si concentrerà su come il corpo in movimento e l’immagine digitale possono sostenersi a vicenda, con il desiderio di sperimentare una gamma di strumenti diversi che riecheggiano il movimento tra ambienti dal vivo e virtuali.

di Collectif Hinterland (FR)
nell’ambito di ÉTAPE DANSE, un progetto di cooperazione Francia – Germania – Italia a sostegno di nuove creazioni coreografiche in collaborazione con Mosaico Danza / Festival Interplay

FAIRE FLEURIR riunisce un ballerino, due musicisti, un mucchio di pietre e un ricco ambiente di luci e ombre, sotto un velo che definisce i limiti di uno spazio sorprendentemente teso. Il tessuto che funziona come un soffitto molto basso. Seduto tutt’intorno a questa grotta senza pareti, il pubblico assiste a un’inclinazione forzata verso il suolo. Tutto qui avviene a un livello che impedisce all’essere umano di alzarsi in piedi. In questo rifugio sotterraneo, in questo luogo appartato e segreto, alcune persone si riuniscono e imparano a gattonare.

un progetto di Lavanderia a Vapore
in collaborazione con EDN e Al.Di.Qua. Artists

Il nostro corpo non è il problema, né le nostre capacità fisiche, motorie, sensoriali, neurologiche, cognitive. Non possiamo più accettare che sotto un unico comodo termine medico-scientifico vengano riportati e appiattiti i nostri corpi, le nostre storie, le nostre mutevoli identità. Non stiamo parlando di disabilità, ma di Esperienze Disabilitanti imposte da una società costruita su un modello che avvantaggia solo l’essere umano occidentale, maschio, bianco, abile, sano, cisgender ed etero. (dal Manifesto di Al.Di.Qua. Artists)

What Makes You Disabled?, una quattro-giorni di residenza collettiva realizzata da Lavanderia a Vapore nell’ambito del progetto Carte Blanche dell’European Dancehouse Network, in collaborazione con Al.Di.Qua. Artists. Un’occasione per favorire uno scambio di pratiche artistiche e saperi in relazione al tema dell’accessibilità, intesa – anziché come servizio – quale condizione strutturale per una società equa.  I quattro giorni di residenza collettiva, dal 22 al 25 maggio, con la partecipazione di circa 40 rappresentanti provenienti da tutta Europa (artisti/e, curatori e curatrici, mediatori e mediatrici, producer), propongono uno slittamento di percezione – dalla disabilità alle condizioni disabilitanti che permeano la nostra società – favorendo un cambiamento paradigmatico che superi il modello abilista, per ripensare il presente, gli spazi, i tempi e le condizioni di creazione secondo una prospettiva plurale che accoglie voci troppo spesso silenziate, su tempi e processi che condizionano il presente di ciascuno.  

PROGRAMMA

22 maggio
ore 15.00 – 15.30: accoglienza
ore 15.30 – 18.00: Access agreement. Il bisogno come luogo d’incontro a cura di Eugenia Coscarella (dramaturg di comunità e ricercatrice nell’ambito del dialogo tra pratiche corporee e di scrittura) e Kadri Sirel (ricercatrice nell’ambito della performance documentation)/Lavanderia a Vapore, in dialogo con Stefania Di Paolo (studiosa, curatrice, disability advocate, fondatrice TalkwithDance e collaboratrice di Hangar)

Attraverso pratiche corporee e di scrittura, il workshop apre al tema del bisogno, come luogo d’incontro e dialogo con noi stessi e con gli altri. Cosa mi serve per stare bene qui? Ascolto, silenzio, sguardo, dialogo nello spazio intimo e collettivo, saranno gli strumenti per lasciare emergere i nostri bisogni, posizionarli nello spazio e formulare nell’incontro un access agreement di gruppo che possa accompagnarci durante Carte Blanche.

ore 18.00- 18:30: check out moderato da Diana Anselmo (performer e attivista)

23 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Eyes and hands a cura di Daniel Bongioanni (artista sordo e insegnante di Lingua Italiana dei Segni) e Nikita Lymar (performer)

Attraverso la percezione visiva, il workshop permette una riflessione sull’uso degli occhi, le espressioni facciali e le mani. Grazie all’uso di queste ultime, si prende consapevolezza in diversi ambiti: nell’uso quotidiano, nella lingua dei segni, nell’arte, nel teatro.

ore 10.30 – 13.00: Tempi, spazi, comunicazione: l’accessibilità è un percorso con Elia Zeno Covolan (visual designer e illustratore trans, non binario e neurodivergente con malattia cronica e disabilità)

Questo workshop mira a esplorare l’importanza dell’accessibilità in luoghi culturali come festival, spettacoli teatrali e altri eventi. In particolare, ci si concentrerà sulla relazione tra accessibilità, tempi, spazi e comunicazione e su come questi fattori possano influire sulla capacità delle persone neurodivergenti, con malattie croniche e/o disabilità di partecipare pienamente alle esperienze culturali.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Diana Anselmo (performer e attivista)

24 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Multiply perception a cura di Marta Olivieri (autrice e performer)

Il workshop desidera condividere l’incontro tra il lavoro performativo curato da Marta Olivieri e le pratiche di audio-descrizione ideate da Camilla Guarino e Giuseppe Comuniello. La collaborazione tra i tre autori ha generato un interesse per la riflessione sulla moltiplicazione della percezione. All’interno del laboratorio si proporrà una introduzione pratica del lavoro fatto in residenza per la creazione di Trespass_ Tales of the Unexpected.

ore 10.30 – 13.00: Eyes and hands a cura di Daniel Bongioanni (artista sordo e insegnante di Lingua Italiana dei Segni) e Nikita Lymar (performer)

Attraverso la percezione visiva, il workshop permette una riflessione sull’uso degli occhi e sulla possibilità di esprimersi attraverso espressioni facciali e le mani. Il loro utilizzo ci permette una maggior consapevolezza in molti ambiti: da quello quotidiano, alla lingua dei segni, all’arte, al teatro e molto di più.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Flavia Dalila D’Amico (studiosa e curatrice nel campo delle Arti visive e performative, videomaker e redattrice)

25 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Multiply perception a cura di Marta Olivieri (autrice e performer)

Il workshop desidera condividere l’incontro tra il lavoro performativo curato da Marta Olivieri e le pratiche di audio-descrizione ideate da Camilla Guarino e Giuseppe Comuniello. La collaborazione tra i tre autori ha generato un interesse per la riflessione sulla moltiplicazione della percezione. All’interno del laboratorio porteremo una introduzione pratica del lavoro fatto in residenza per la creazione di Trespass_ Tales of the Unexpected.

ore 10.30 – 13.00: Tempi, spazi, comunicazione: l’accessibilità è un percorso con Elia Zeno Covolan, visual designer e illustratore trans, non binario e neurodivergente con malattia cronica e disabilità

Questo workshop mira ad esplorare l’importanza dell’accessibilità in luoghi culturali come festival, spettacoli teatrali e altri eventi. In particolare, ci si concentrerà sulla relazione tra accessibilità, tempi, spazi e comunicazione e su come questi fattori possano influire sulla capacità delle persone neurodivergenti, con malattie croniche e/o disabilità di partecipare pienamente alle esperienze culturali.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Flavia Dalila D’Amico (studiosa e curatrice nel campo delle arti visive e performative, videomaker e redattrice)

di e con Elisa D’Amico e Francesco Dalmasso

TOWARDS è un progetto che indaga il concetto, l’intenzione e l’azione dell’andare verso tramite immaginari fotografici, scritture condivise, corpi in azione e sonorità mobili. Che cosa significa andare verso? Quale postura è necessaria per permetterci questo movimento? Quali posizioni di partenza considerare? Quali movimenti, direzioni, tracciati percorrere? E quali approdi temporanei immaginare? Affondare in questa prospettiva, ci situa nel moto, non necessariamente lineare, di come le cose transitano l’una nell’altra, di come le cose vanno l’una verso l’altra.

Towards / Onwards / Backwards / Elsewards / Inwards / Exwards / X-wards

Elisa + Francesco
Elisa D’Amico e Francesco Dalmasso si incontrano durante gli studi presso ArtEZ Hogeschool voor de kunsten (NL). Lavorano come danzatori freelance in Italia e Europa per compagnie, progetti e istituzioni museali. Fanno parte dell’organizzazione di shared training torino e del team curatoriale del progetto Workspace Ricerca X_research and dramaturgy. Dal 2014 sviluppano una pratica artistica collaborativa, lavorando a progetti di ricerca e produzione declinati in formati molteplici. I loro lavori sono stati presentati e selezionati per: RAAA Performing Arts Festival (Brescia); Aldes/SPAM! (Lucca); Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni e Fondazione CR Firenze – Bando Abitante 2021; ACS Abruzzo Circuito Spettacolo; Permutazioni / Zerogrammi, Lavanderia a Vapore, Piemonte Dal Vivo; EDN; Polo del ‘900; Resurface Festival; OGR Torino; PAV Parco Arte Vivente. Sono artisti associati della compagnia Zerogrammi.

nell’ambito del progetto Migration Dance Film Project – Il movimento attraverso il viaggio
a cura di Associazione COORPI
con Sandy Silva e Marlene Millar (Canada)
residenza realizzata in collaborazione con Lavanderia a Vapore e Associazione Augenblick

Incarneremo quali valori, sogni e ricordi portiamo con noi e come si riflettono in luoghi specifici.

Dopo la ricerca iniziata a giugno 2022, la regista Marlene Millar e la coreografa di danza percussiva Sandy Silva tornano a Torino per proseguire lo sviluppo e la ricerca  finalizzate alla creazione di un nuovo film sulla migrazione dal titolo Landed: where the journey begins, nell’ambito del progetto Migration Dance Film Project, ambientato in diverse location piemontesi, tra cui il Parco della Certosa, a Collegno, e il Parco Dora, a Torino. Il percorso si sviluppa attraverso una serie di workshop multidisciplinari sia in studio che on location, basati su un viaggio processionale che elabora i temi della speranza, dell’appartenenza e dello scopo. Radicati nella filosofia delle storie di danza migratoria, i workshop MDFP invitano praticanti intergenerazionali e di comunità culturalmente eterogenee, a esplorare i processi intersecanti di idea / danza / paesaggio / suono, provando a capire come queste costellazioni culminino nella produzione di un film.

Il progetto Migration Dance Film Project, con sede a Montreal, realizza cortometraggi di danza percussiva che ruotano intorno al tema della migrazione: viaggi passati, presenti e futuri,  in ambientazioni naturalistiche, boschi, scogliere, paesaggi lunari. Ogni film riflette temi universali creando nuovi rituali attraverso il movimento, il ritmo e il canto. Il progetto nasce otto anni fa dalla collaborazione creativa tra:

Sandy Silva, pluripremiata performer, coreografa, compositrice, produttrice e pioniera della danza percussiva acclamata a livello internazionale. Attinge dalle pratiche percussive globali infondendo temi con il movimento, l’integrazione vocale, il teatro e la musicalità, creando una forma unica e potente di narrazione performativa.

Marlene Millar, regista di documentari, film di danza e produzioni multimediali sperimentali dal 1991. BFA in cinema, laureata in regia presso la School of Art Institute di Chicago, ha ricevuto una Pew Dance Media Fellowship presso l’Università della California (Los Angeles). L’ampia carriera di Millar è stata celebrata in occasione della sua prima mostra personale, una retrospettiva dei suoi 30 anni di attività presso il Threshold Artspace, UK (2019).

WORKSHOP

Calendario completo sul sito di COORPI: clicca qui

Per iscriversi ai workshop è necessario inviare una mail con nome partecipante e numero di telefono a: info.coorpi@gmail.com
Le iscrizioni chiuderanno, salvo raggiungimento numero massimo di partecipanti, entro e non oltre le ore 22 di mercoledì 10 maggio 2023.
Per maggiori info info.coorpi@gmail.com

un progetto di Lavanderia a Vapore
in collaborazione con Danza Urbana XL e Rete in Situ
si ringraziano Nova Coop e Centro Commerciale Piazza Paradiso di Collegno
partecipano Claudia Adragna, Barb Bordoni, Valentina Bosio, Claudia Caldarano, Michela Depretis, Sara Fraschini, Claudio Larena, Lorenzo Morandini, Filippo Porro, Flavia Zaganelli, Elisa Zuppini
mentor Quim Bigas Bassart, Jessica Huber e Sara Leghissa
con la partecipazione di Carla Esperanza Tommasini

Cosa accade quando il “pubblico” è una nozione e una visione, quando è uno spazio di relazione e non solo un insieme di sguardi? Come osserviamo lo Spazio Pubblico, quello che c’è e quello che manca? Attraverso quali processi creativi è possibile coreografarne stratificazioni, relazioni e movimenti dando vita a creazioni artistiche capaci di attivare un discorso critico sul nostro spazio collettivo?

L’Atelier di creazione per lo Spazio Pubblico è un progetto pilota alla sua 1^ edizione, che Lavanderia a Vapore – Centro di Residenza e Casa Europea della danza – lancia per offrire un percorso di ricerca pratico-teorica ad artiste e artisti interessati a esplorare lo spazio pubblico come contenitore e contenuto della propria sperimentazione.

L’Atelier è un percorso di formazione e ricerca aperto a 9 coreografi e coreografe italiani che, grazie alla mediazione di 3 mentor del processo, approfondiranno tematiche, pratiche e metodi di creazione dedicati ad alcuni spazi specifici, intervallando sessioni guidate di lavoro con momenti di ricerca libera e studio sul campo. Un percorso immersivo in cui pensieri e pratiche si nutrono in modo reciproco in una dimensione che oscilla costantemente tra l’individuale e il collettivo.

Divisi in 3 sottogruppi, i partecipanti esploreranno diverse poetiche e spazi, lavorando nell’area del Parco della Certosa con il coreografo Quim Bigas Bassart, negli spazi di incontro e aggregazione con la coreografa Jessica Huber e in non-luoghi con l’artista e performer Sara Leghissa. Paesaggio naturale, urbano e umano saranno il tessuto da osservare e lo spazio di un lavoro di mappatura e ricomposizione poetica e politica.

1. Gruppo guidato da Sara Leghissa, in osservazione presso gli spazi del Centro Commerciale Paradiso
– Valentina Bosio
– Michela Depetris
– Claudio Larena
– Flavia Zaganelli

2. Gruppo guidato da Quim Bigas Bassart, in esplorazione presso il Parco della Certosa di Collegno
– Claudia Adragna
– Barb Bordoni
– Sara Fraschini
– Elisa Zuppini

3. Gruppo guidato da Jessica Huber, in esplorazione a Villaggio Dora
– Claudia Caldarano
– Lorenzo Morandini
– Filippo Porro

A seguire i tre gruppi sarà Carla Esperanza Tommasini (1978), curatrice, project manager e creative producer in campo culturale e artistico, con un interesse specifico per i processi creativi e produttivi, le pratiche partecipative e i progetti interdisciplinari. Laureata al DAMS Teatro (Università di Bologna) e con un master in Contemporary Performance (Brunel University) a Londra, Carla negli anni ha curato e implementato numerosi progetti culturali a livello nazionale e internazionale. Nel 2012 dà vita alla piattaforma di produzione OPEN // CREAZIONE CONTEMPORANEA all’interno di Pergine Festival, di cui è direttrice artistica dal 2017 al 2022. Tra il 2013 e il 2016 vive e lavora da Izmir (TR) come docente nel campo delle arti performative presso la Yasar University. È inoltre alumna del Global Cultural Leadership Programme (2016 e 2019), docente presso LABA Trentino e coordinatrice per il Trentino del contest musicale UploadSounds.

progetto di Valerie Tameu
curatela di Sineglossa
nell’ambito di FOOD DATA DIGESTION
in collaborazione con Play with Food, Libera Università di Bolzano e Lavanderia a Vapore
sostegno Fondazione Compagnia di San Paolo
nell’ambito del bando ART-WAVES
sviluppo creativo Michele Cremaschi
assistente ai costumi Augusta Tibaldeschi
assistente alle musiche Michele Mandrelli
consulente di biologia marina Agnese Riccardi
dramaturg Federica Patti

“Ciò che è meno che umano e ciò che vorrei considerare più che umano non è un oggetto passivo e inconscio, ma applica forme di resistenza attive e reali.” (Valerie Tameu)

Metabolo crea un ecosistema di mutua influenza tra corpo umano, macchine artificiali ed ecosistemi marini, in un rapporto di coesistenza multispecie. Con Metabolo, l’artista si interroga sulla possibilità di utilizzare la tecnologia per promuovere altre forme di intelligenza e cultura, non solo quelle occidentali o antropocentriche, attraverso la selezione di dataset creati da determinate specie ittiche e la reinterpretazione di pratiche indigene. Questa relazione è resa esplicita in primo luogo attraverso la connessione tra l’intelligenza artificiale e uno degli ecosistemi marini del nostro pianeta, quello che si trova al di sotto della Frying Pan Tower, 34 miglia al largo di Cape Fear, nella Carolina del Nord.

Lì una webcam subacquea – posizionata da volontari a scopo di ricerca – trasmette immagini in diretta su YouTube ed è liberamente accessibile. A differenza della maggior parte delle altre webcam subacquee presenti sulla stessa piattaforma online, questa non mostra gli animali in cattività, ma nel proprio habitat naturale. L’intelligenza artificiale collegata a quest’occhio robotico elabora le texture e i movimenti unici del mondo oceanico di Cape Fear tramite l’apprendimento automatico e li traduce in dati che modificano la colonna sonora su cui l’artista crea la performance, in Europa, in tempo reale. Questa interazione uomo-macchina diventa il punto di partenza per l’elaborazione creativa dell’opera.

Tale relazione racchiude in sé anche il mondo spirituale, rappresentato dal mito della MamiWata, divinità acquatica venerata in diversi paesi dell’Africa occidentale ed equatoriale, a metà tra figura umana e pesce, essere ibrido e allo stesso tempo alieno. L’artista trae spunto da questa divinità per creare un rituale tecno-spirituale, ancora una volta appreso dall’intelligenza artificiale attraverso un software di tracciamento del movimento sulla scena. La manifestazione di un simile rito diviene simbolicamente un’apparizione inaspettata, che si traduce in un’immagine creata in tempo reale e inviata a una piattaforma online accessibile solo quando la performance è in corso. Lo stesso visual verrà proiettato in loco, durante l’azione scenica.

VALERIE TAMEU
Laureata in studi di danza presso la Facoltà di Cinema, Arti della Scena, Musica e Media di Torino, si forma con vari3 docent3 della scena italiana e internazionale e frequenta i corsi Modem presso il centro coreografico Scenario Pubblico. Ha collaborato con Tecnologia Filosofica, Balletto Teatro di Torino, Laurent Pellisier, Paolo Armao, Masbedo. Nel 2020 è stata interprete nello spettacolo Bye Bye del Leone d’argento Alessio Maria Romano, che debutta alla Biennale Teatro di Venezia e partecipa al festival TorinoDanza e nel 2021 è interprete nello spettacolo Choròs dello stesso autore che va in scena durante il Festival Oriente Occidente, a Rovereto. Nel 2022 è performer per la produzione cross-disciplinare Dust of Dreams di Eva Frapiccini con le coreografie di Daniele Ninarello, in scena presso il Palazzo Ducale di Genova, il Polo del 900 di Torino e il Teatro della Tosse di Genova. Contemporaneamente porta avanti progetti di creazione e ricerca, partecipando a Officin&Ideali – Residenze in Transito, con il progetto Cronòtopia, in collaborazione con Teresa Norhona Feio e Annalisa Cannito; ha partecipato a Workspace Ricerca X 2021/ The ever practicing artist presso Lavanderia a Vapore, con il progetto a Thousand Ways to Fall; ha preso parte a Fase XL, progetto di C.U.R.A Centro Umbro Residenze Artistiche e La Mama Umbria International di Spoleto con il progetto Bodybuilding. La sua ricerca riguarda la relazione tra performance e identità e la differenza tra memorie e storia, mentre la sua pratica artistica con-fonde creativamente corpi, idee, teorie e allucinazioni.

concept, coreografia e voci Panzetti / Ticconi
interpreti Sissj Bassani, Efthimios Moschopoulos, Aleksandra Petrushevska, Julia Plawgo
composizione musica Demetrio Castellucci
musica e voce Gavino Murgia
disegno luci Annegret Schalke
costumi Werkstattkollektiv
supporto drammaturgico nel quadro della Rete JUMP Piersandra Di Matteo
approfondimento teorico psicoanalitico Daniela Frau
direzione tecnica in tour Michele Piazzi, Annegret Schalke
manager e distribuzione Aurélie Martin
amministrazione italiana Federica Giuliano (VAN)
direzione di produzione tedesca Sofia Fantuzzi
logistica Eleonora Cavallo (VAN – Panzetti/Ticconi GbR)
produzione Panzetti / Ticconi GbR (DE); Associazione Culturale VAN (IT)
finanziato da Berlin Senate Department for Culture and Europe (DE)
coproduzione Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (DE) // progetto di rete JUMP (formata da Oriente Occidente, Festival MILANoLTRE, I Teatri di Reggio Emilia, Lavanderia a Vapore/Piemonte dal Vivo, Marche Teatro/Inteatro Festival, Orbita, Scenario Pubblico / Centro di Rilevante Interesse Nazionale, Teatro Comunale di Vicenza, Teatro Stabile dell’Umbria) (IT) // Torinodanza Festival / Teatro Stabile Torino – Teatro Nazionale (IT) // Julidans Amsterdam (NL) // Pact Zollverein (DE) // Le Manège, scène-nationale – Reims (FR) // Le Pacifique – CDCN Grenoble Auvergne Rhône-Alpes (FR) // rete Les Petites Scènes Ouvertes con il supporto di Caisse des dépôts (FR) // Centre Chorégraphique National de Nantes attraverso il suo dispositivo Accueil Studio (FR) // CCNR / YUVAL PICK attraverso il suo dispositivo Accueil Studio (FR) // Fuori Margine Centro di Produzione di Danza e Arti Performative della Sardegna (IT)
programma di residenza artistica Centre Chorégraphique National de Nantes (FR) // Lavanderia a Vapore/Piemonte dal Vivo(IT) // Kinosaki International Arts Center (Toyooka city) (JP) // TEN Teatro Eliseo Nuoro (IT) // Le Pacifique – CDCN Grenoble Auvergne Rhône-Alpes (FR) in collaborazione con CCNR / YUVAL PICK (FR) // Chorège – CDCN Falaise Normandie (FR) // Scenario Pubblico / Centro di Rilevante Interesse Nazionale (IT) // Le Manège, scène-nationale – Reims (FR)

L’impatto fisico del naufrago su un’isola deserta e la caduta nel profondo della propria interiorità sono in INSEL collisioni equivalenti. INSEL, in italiano ISOLA, è una creazione coreografica e sonora per 4 performer, che sceglie una condizione geografica come riferimento simbolico per volgere lo sguardo all’individuo, nell’inevitabile incontro con la propria ombra. Due figure, sorvegliate dalle rispettive ombre, trovano nel monologo l’unico canale espressivo possibile. Compiaciute dai propri stessi toni sofferenti, esse non contemplano la presenza dell’altro. Precipitano piuttosto nell’oscuro del proprio essere, inscenando il dramma del proprio narcisismo. Le ombre si estendono in forma di oscurità maestosa e voce, una voce antica, profonda, che con vibrazioni telluriche dissestanti scardina ogni tipo di protagonismo egoico lasciando spazio, tra il terreno sformato e scosso, al possibile emergere di una comunità. Il lamento, da solitaria narcisistica espressione del singolo, si struttura in cadenzati gesti collettivi. Le prefiche conducono il rituale, mentre la voce dell’isola accompagna e lenisce. La voce di Gavino Murgia si ispira alla tradizionale tecnica del Cantu a Tenore originaria dell’isola di Sardegna.