Per artistə

a cura di Workspace Ricerca X
artistx ospiti Jacopo Jenna, Masako Matsushita
artistx curatorx Francesco Dalmasso, Elisa D’Amico, Ambra Pittoni 

Workspace Ricerca X arriva alla decima edizione. Nel 2025 festeggia questi primi 10 anni di attività: residenze di ricerca, paesaggi di pratiche, lecture-performance, pubblicazioni, residenze di pensiero, research camping, pratiche di feedback, pratiche di scrittura, pratiche di attenzione, workshop e laboratori, lecture e simposi, fictional parties.  
In questi dieci anni, Ricerca X ha immaginato, articolato e messo in atto possibilità alternative di stare insieme, difendendo con determinazione lo spazio, il ruolo e le funzioni della ricerca artistica all’interno dell’ecosistema delle arti performative. Ha allenato il pensiero critico come modalità di lettura del presente e come trampolino per immaginare traiettorie future e tracciati inediti. Ha creato spazi, dilatato tempi e accolto artistx e alleatx, che a loro volta hanno restituito al progetto nuove visioni, rilanciando sul futuro di questo spazio solido e mutevole allo stesso tempo.  
Traslando l’invito ad attraversare un processo di autoriflessione, come progetto viene attivato il desiderio di guardare dentro, per rilanciare fuori. Nel rigore di un formato, trovare interstizi che permettano di sperimentare vie inedite, di ripercorrere tracciati, inventarne di nuovi, ribaltare le coordinate.  
Ricerca X compie 10 anni. Se la ricerca è un terreno di incontro, sappiamo dove ritrovarci. 

Workspace Ricerca X – Research and Dramaturgy è una piattaforma per lo sviluppo e il sostegno della ricerca artistica e della drammaturgia nel campo della coreografia e della performance. Nata nel 2016 con l’obiettivo di divulgare, interrogare e legittimare la ricerca artistica nel contesto italiano, si rivolge a professionistə nel settore della danza e delle arti performative.  
Workspace Ricerca X si muove dall’intenzione di consolidare una cultura della ricerca artistica in Italia, attivando spazi in cui praticare un approccio al lavoro alternativo alle dinamiche produttive, incentrato sulla tessitura di alleanze e sulla circolazione di saperi generati nelle pratiche artistiche. 

Un progetto di Lavanderia a Vapore
con il sostegno del Ministero della Cultura e di SIAE nell’ambito del programma “Per Chi Crea”
realizzato con il contributo della Fondazione Compagnia di San Paolo
Mentor Camilla Guarino, Cristina Kristal Rizzo, Elisabetta Consonni, Enrico Malatesta, Giuseppe Comuniello, Paola Granato, Salvo Lombardo, Silvia Bottiroli
Con G. Re, Christopher Serebour, Clara Delorme, Nunzia Picciallo, Ornella Trespidi, Erica Meucci

CAMP-IN è un nuovo progetto di formazione dedicato a dance maker emergenti: un gruppo che, affiancato da mentor, si stanzia in Lavanderia abitando a fondo i propri frammenti di studio. Una dimensione riflessiva e intima in cui sperimentare una pedagogia orizzontale. Il gruppo si unisce alla comunità artistica estesa che arriva come una moltitudine con il Research Camping dal 21 al 23 novembre. È prevista un’apertura pubblica dei processi creativi dei dance maker di CAMP-IN nella prima giornata del Research Camping.
Il progetto si basa su una pedagogia practice-based e orizzontale, secondo la quale il ruolo dellə mentor è trasmettere proprie competenze e poetiche con finalità maieutiche, volte a stimolare nellə partecipanti la capacità di trovare soluzioni individuali e innovative alle proprie domande artistiche.
Non si intende quindi potenziare la capacità tecnica ed esecutiva, ma la capacità critico-immaginativa e compositiva partendo dal proprio stile e materiale grazie alle sollecitazioni offerte dalle attività.

di e con Thalia Pigier
nell’ambito del programma Nouveau Grand Tour
In collaborazione con Institut français Italie e l’Ambasciata di Francia in Italia

In pieno slancio, a metà strada, il rallentamento. L’incidente. Lo spettacolo annunciato non potrà avere luogo. Bisognerà accontentarsi di ciò che si ha, ballare ciò che è possibile ballare. In modo diverso. The show will go on. Somehow.
Partendo da un infortunio fisico, si sviluppa una nuova scrittura coreografica basata sul vincolo e sull’imprevedibile. Assistiamo quindi a un elogio del minimo che si oppone alla logica capitalista che spinge al completo esaurimento delle risorse.
In dialogo con il “Manuel” del coreografo di Jonathan Burrows, Thalia ci offre riflessioni accidentate sulla difficoltà di andare avanti, sul palcoscenico e nella vita. 

Coreografa e performer, laureata in drammaturgia presso l’Ecole Normale Supérieure, Thalia Pigier ha fondato la compagnia Projet Total nel 2021. È artista associata al programma europeo di ricerca interdisciplinare Circus Without Circus e Live Works’ Fellow alla Centrale Fies (IT) nel 21-23. Crea “Le Soleil de Minuit”, una performance itinerante in spazi pubblici per sei ballerini per la Nuit Blanche 2023. Nel 2024 crea “Celle qui part n’est pas disparue” al Festival Operaestate di Bassano del Grappa, un assolo accompagnato dalla chitarra elettrica che tratta di eredità culturale, memoria dei corpi emarginati e tentativi di volo. Questo pezzo fa eco a una serie di performance intitolata “TENTATIVES D’ENVOL”, 2018. Nel 2024 è finalista, con “La Danse de la jeunesse”, al Solo Tanz Theater International Festival di Stoccarda. È anche vincitrice della borsa di studio Beaumarchais per Of Gold and Mud 26-27.
Arricchita dalla sua triplice cultura franco-colombiana-queer, nelle sue creazioni lavora sulle relazioni tra movimento e parola, piante e performer. I suoi lavori sono transdisciplinari e frammentari, danza, teatro e musica si mescolano senza gerarchie. 

di e con Sara Sguotti 
video e immagini Gabriele Ottino 
scena e luci Mattia Bagnoli 
testi Arianna Ulian 
costumi Eva di Franco 
produzione Centro di produzione della danza Cango\Firenze 
sostegno OperaEstate, Lavanderia a Vapore, IRA Festival, Cromot

ROSSOCREPA è il secondo passo di una trilogia di ricerca attorno alle crepe del corpo. Il primo passo, CREPA, è un duetto tra corpi in mutamento. ROSSOCREPA ne diventa un’appendice e diramazione che trova una sua forma autonoma quando l’artista inizia un percorso di mutamento legato allo stato generativo della maternità. È una ricerca sulle fratture interne ed esterne che il corpo è chiamato ad accogliere e sopportare, sul vederlo difettato, sull’ombra di imperfezione, s-forma, inabilità che vi si stende, a livello sociale e lavorativo. Il corpo femmina che si espone nella sua condizione di matrice e conseguenza di uno squarcio.
Liminale è il luogo del suo stare: sensuale, generativo, deformato, curvo, schiavo di doveri antropologici e politici, carnoso e scarno, strappo, crepa, varco, squarcio, rifiuto e residuo doppio. E ancora, molle, vuoto, imperturbabile e turbato, inadeguato e ostile ma anche amorevole e dolce.
Un corpo modificato, lacerato, duplicato, lasciato solo ma vitale. Diventare sconosciute e accettarlo, rimanere in dialogo con ciò che genera e con il suo ospite, con UN dentro e UN fuori. 

Sara Sguotti si interessa al corpo singolo e collettivo ed è attratta da tutte le forme di micro collettività. La sua pratica coreografica spazia dalla ricerca in spazi solitari e intimi all’altrove immaginativo.
Lavora e collabora con e per Compagnia Virgilio Sieni e Compagnia Anton Lachky; con Roberto Magro per le creazioni di circo contemporaneo, occupandosi della ricerca sul movimento per le Università di Circo Codarts, Esac, Flic; con Simona Bertozzi, Cristina Kristal Rizzo, Nicola Simone Cisternino, Tommaso Serratore, Company Blu, Attivisti della danza, Jacopo Jenna e Annamaria Ajmone. Ha lavorato nel film “Suspiria” di Luca Guadagnino.
La sua ricerca personale inizia con S.solo (vincitore di DNA appunti coreografici e della Vetrina Anticorpi 2017). Dal 2020 collabora con il gruppo Dance Well di Bassano del Grappa. Nel 2021 cura la produzione per la giovane compagnia OpusBallet, VENTIVENTI con la collaborazione del Polimoda di Firenze. Nel 2022 debutta nel Brighton Fringe Festival con S.O.P. Nel 2021 vince il premio R.A.T. per la creazione It’sHardToBeHuman.  Collabora con la scrittrice e performer Arianna Ulian per la creazione CREPA, ospitata in residenza daTanzhaus (Zurigo) in collaborazione con IIC di Zurigo e selezionata per la sezione Open Studios della N.I.D. 2023. Nel 2024 vince il premio UBU come miglior attrice e performer under 35.  Dal 2025 collabora come artista associata con il Centro di Produzione della Danza Cango\Firenze. 

Gabriele Ottino è un artista visivo, regista e compositore che lavora all’intersezione tra video sperimentale, musica elettronica e tecnologie generative. È il fondatore del collettivo SPIME.IM, attraverso il quale esplora i confini tra arte multimediale e sound design. Le sue opere sono state presentate a livello internazionale in sedi quali il Barbican Centre di Londra, MUTEK (Montréal, Tokyo, Città del Messico), Ars Electronica a Linz, Club to Club a Torino e LEV Festival in Spagna. È anche co-fondatore di NEUMA, uno studio di show design dove sviluppa e cura performance multimediali per artisti italiani e internazionali, tra cui Sfera Ebbasta, Baby Gang, Cosmo, Subsonica, Andrea Laszlo De Simone, Liberato, Jovanotti, Willie Peyote, Kety Fusco, Dardust e Noemi Büchi. Pioniere nel campo dell’intelligenza artificiale generativa, Ottino è Alpha Artist per Sora e Kaiber e fondatore di 2Riot, uno studio creativo specializzato nella produzione di video basati sull’intelligenza artificiale. Il suo lavoro combina riprese dal vivo, animazioni, materiali trovati e immagini generate dal computer per creare esperienze audiovisive uniche e coinvolgenti.

Creazione e performance Joaquín Collado Parreño 
supporto artistico Amalia Fernández
con il supporto di Institut Ramon Llull

Dejarse quieto flotar è un esercizio di intimità. Un progetto che esplora la questione del linguaggio, sia come muscolo che come sistema di comunicazione, e lo mette in tensione con la figura del mimo. Come potrebbe un corpo senza linguaggio, un gesto senza significato, liberare il mimo dal suo compito, interrompendo – proprio nell’atto di mimare – il suo rapporto con un fine, aprendo così una breccia nel linguaggio? Come possiamo liberare il potere della passività, dando corpo al fantasma, mani alla medusa, lingua al mimo, per essere nel mondo, immobili, calmi, fluttuanti?  

Joaquín Colllado è un performer, artista e curatore spagnolo. Dal 2017 sviluppa la propria pratica coreografica esplorando modi per sfumare i confini tra le categorie e i generi della danza e il corpo. Ha studiato analisi e scrittura della danza a Parigi e ha conseguito un master in Costruzione e rappresentazione delle identità culturali a Barcellona. Come creatore, ha collaborato con organizzazioni quali La Caldera e Graner, entrambi centri creativi a Barcellona, il Mercat de les flors a Barcellona, La Briqueterie e il Théâtre de Vanves in Francia, il festival Dansa-Valencia, LealLav a Tenerife e altri. Come ballerino, ha lavorato con Björn Safsten, La Veronal e La Coja Dansa, tra gli altri. Negli ultimi cinque anni ha diretto il festival Paisaje nella sua città natale (Villamalea-Albacete). Attualmente sta fondando il proprio spazio di residenza e creazione in Castilla-La Mancha.  

ARIA riunisce un gruppo di artiste e artisti e curatrici e curatori intorno alla sfida dell’immaginare uno spazio vaporoso, in cui tratteggiare geografie alternative dello stare insieme. Le artiste e gli artisti che nutriranno questo processo sono: Anna Basti, Adriana Borriello, B.Bordoni, Francesca Cinalli, Christopher Serebour, Flavia Zaganelli, con attraversamenti di Doriana Crema, Jija Sohn e Salvo Lombardo.

Il bando ARIA nasce dalla trasformazione del bando AiR – artisti in residenza, che finora ha previsto forme di sostegno a singoli progetti di creazione artistica, ripensando adesso la sua funzione come supporto per una residenza di ricerca collettiva, condivisa con l’istituzione ospitante interrogandosi insieme su domande e formati da aprire a comunità estese.

Lavanderia a Vapore e il suo team si ingaggiano nella residenza stessa come occasione di ripensamento dei propri modelli organizzativi attraverso un atteggiamento poroso e reciproco, volto a mettere in discussione le relazioni unilaterali e abilitare altre possibilità, altre forme di relazioni sistemiche, sinergiche e orizzontali.

Concept, coreografie e testi Chiara Bersani
performer Anna Maria Pes, Annalisa Frascari, Carolina Ellero
disegno luci, scena e direzione tecnica Valeria Foti
costumi Ettore Lombardi
drammaturgia Chiara Bersani, Giulia Traversi
consulenza per il movimento Marta Ciappina
drammaturgia vocale Ernani Maletta Francesca Dalla Monica
assistente Simone Chiacchiararelli
promozione, cura, booking Giulia Traversi
comunicazione e press kit Flavia Dalila D’Amico
logistica, organizzazione, produzione Eleonora Cavallo
amministrazione Chiara Fava
produzione Corpoceleste_C.C.00#
coproduzione Snaporazverein (Samaden, CH)
con il supporto di Alkantara Festival and Centro de Arte Moderna, Gulbenkian, Progetto Ring di Festival Aperto / Fondazione I Teatri Reggio Emilia – Bolzano Danza / Fondazione Haydn – FOG Triennale Milano Performing Arts – Torinodanza Festival / Fondazione Teatro Stabile di Torino – Teatro Nazionale
partner associato Lavanderia a Vapore / Fondazione Piemonte dal Vivo 
Chiara Bersani è Artista associata di Triennale Milano Teatro 2025-2027

Michel: The Animals I Am nasce dal desiderio di trasformare un assolo in un coro, di assorbire il concetto di eccezione e restituire un’idea di collettività. L’artista parte da due eredità: da una parte la ricerca che attraversa il linguaggio del balletto classico, nello specifico de ‘La morte del Cigno’, per superarlo, setacciarlo, ripensarlo attraverso l’accesso di una pluralità di corpi. Dall’altra un assolo, “L’Animale”, che ha debuttato nel 2021 e che ora desidera “esplodere” diventando coro, rifrazione, imprevisto, dialogo, armonia e boato.
“L’Animale” diventa una performance per tre performer con disabilità che si pone la domanda: se il repertorio classico chiede di essere eseguito da fisicità aderenti a un modello molto preciso, può esistere un repertorio che applichi la stessa rigida richiesta ma ad altri corpi che rispondono ad altri modelli?

Chiara Bersani è una performer e autrice italiana attiva nell’ambito delle performing arts, del teatro di ricerca e della danza contemporanea. Sia come interprete che come regista/coreografa si muove attraverso linguaggi e visioni differenti. I suoi lavori, presentati in circuiti internazionali, nascono come creazioni in dialogo con spazi di diversa natura e sono rivolte prevalentemente a un pubblico “prossimo” alla scena. La sua ricerca come interprete e autrice si basa sul concetto di Corpo Politico e sulla creazione di pratiche volte ad allenarne la presenza e l’azione.

a cura di Workspace Ricerca X
artistx ospiti Jacopo Jenna, Masako Matsushita
artistx curatorx Francesco Dalmasso, Elisa D’Amico, Ambra Pittoni 

Workspace Ricerca X arriva alla decima edizione. Nel 2025 festeggia questi primi 10 anni di attività: residenze di ricerca, paesaggi di pratiche, lecture-performance, pubblicazioni, residenze di pensiero, research camping, pratiche di feedback, pratiche di scrittura, pratiche di attenzione, workshop e laboratori, lecture e simposi, fictional parties.  
In questi dieci anni, Ricerca X ha immaginato, articolato e messo in atto possibilità alternative di stare insieme, difendendo con determinazione lo spazio, il ruolo e le funzioni della ricerca artistica all’interno dell’ecosistema delle arti performative. Ha allenato il pensiero critico come modalità di lettura del presente e come trampolino per immaginare traiettorie future e tracciati inediti. Ha creato spazi, dilatato tempi e accolto artistx e alleatx, che a loro volta hanno restituito al progetto nuove visioni, rilanciando sul futuro di questo spazio solido e mutevole allo stesso tempo.  
Traslando l’invito ad attraversare un processo di autoriflessione, come progetto viene attivato il desiderio di guardare dentro, per rilanciare fuori. Nel rigore di un formato, trovare interstizi che permettano di sperimentare vie inedite, di ripercorrere tracciati, inventarne di nuovi, ribaltare le coordinate.  
Ricerca X compie 10 anni. Se la ricerca è un terreno di incontro, sappiamo dove ritrovarci. 

Workspace Ricerca X – Research and Dramaturgy è una piattaforma per lo sviluppo e il sostegno della ricerca artistica e della drammaturgia nel campo della coreografia e della performance. Nata nel 2016 con l’obiettivo di divulgare, interrogare e legittimare la ricerca artistica nel contesto italiano, si rivolge a professionistə nel settore della danza e delle arti performative.  
Workspace Ricerca X si muove dall’intenzione di consolidare una cultura della ricerca artistica in Italia, attivando spazi in cui praticare un approccio al lavoro alternativo alle dinamiche produttive, incentrato sulla tessitura di alleanze e sulla circolazione di saperi generati nelle pratiche artistiche. 

percorsi di anarchiviazione per un archivio anarchico
Jacopo Jenna e Ariadne Mikou
una produzione di COORPI e CRO.ME / Cronaca e Memoria dello Spettacolo 

Gli archivi si manifestano in molteplici forme: l’archivio materiale, audiovisivo, testuale; il digitale e l’analogico, ma anche quello corporeo. Ciò che accomuna questi diversi tipi di archivi – in particolare quelli di parole, immagini e suoni – è una tendenza verso un ordine e un ordinamento del passato, ciò che Derrida definisce “l’inizio e il comandamento”, ovvero il luogo in cui si esercita il potere e da cui le cose cominciano o hanno origine. 
Come esplorare un archivio di danza, come quello di “Cro.me / Cronaca e Memoria dello Spettacolo”, attraverso la pratica anarchica dell’anarchiviazione che mira a disfare ordine e ordinamento? Come dare anima e nuova vita a un archivio che ha fissato il movimento in un frammento di tempo, in contrasto con la natura in continua trasformazione della danza?
Pensiamo all’anarchiviazione come una pratica aperta di immersione nell’archivio, in cui quest’ultimo agisce come una partitura coreografica capace di generare nuovi materiali e di connettere generazioni e voci artistiche, un luogo di attraversamento tra spettrale e vivente per trasformare la memoria in futuro 

Jacopo Jenna è coreografo e regista. Il suo lavoro indaga la percezione del corpo in relazione al movimento, attraverso una ricerca che investe la coreografia e il video, studiando nuove possibilità di incorporazione della danza, spaziando tra vari linguaggi e generando molteplici contesti performativi.
Laureato in Sociologia presso l’Università di Urbino, sviluppa i suoi studi di danza in Olanda presso Codarts (Rotterdam Dance Academy). Si occupa di formazione e percorsi educativi per varie fasce di età, elaborando nuove strategie di relazione con l’arte performativa. Ha presentato i suoi lavori presso festival e istituzioni internazionali.

Ariadne Mikou (PhD in Interdisciplinary Choreographic Research, University of Roehampton, London) è un’artista e ricercatrice di danza di origine greca. Parallelamente alla pratica creativa con coreografie partecipative, partiture coreografiche, installazioni e cortometraggi, collabora con artisti, festival e istituzioni per progetti di divulgazione e di ricerca su temi legati alla memoria, alla trasmissione e all’interdisciplinarità. Scrive per riviste internazionali (Springback Magazine e The Theatre Times) e collabora occasionalmente con Hystrio. Trimestrale di Teatro e Spettacolo. Collabora ad antologie di profilo accademico che esplorano i processi coreografici, la danza su schermo, la documentazione della performance e il rapporto tra le arti performative, l’architettura e lo spazio urbano. Collabora con l’associazione culturale NEXUS nell’ambito del progetto europeo “TRANScenDANCE: Trans people within Dance and Performative Spaces”.

Idea e forma Silvia Mai  
in collaborazione con Anna Paola Bacalov, Chiara Marolla, Alice Berni, Enrico Fabris 
produzione esecutiva Tecnologia Filosofica (Torino)  
con il sostegno di IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia / Teatro delle Moire (Milano), ORA-Orobie Residenze Artistiche (Piateda/Sondrio), Lavanderia a Vapore (Collegno-TO), BTT Balletto Teatro di Torino 

“Suono/SONO” è una digressione acustica iniziata dal principio sonoro e ritmico delle parole. È un percorso intrapreso a più voci dentro la qualità del suono del linguaggio, ma è anche la ricerca di una vocalità che si innesta all’ambiente in cui viene diffusa. La voce disegna e informa lo spazio, si fa suono e sostanza di un corpo o di una azione del corpo risonante; diviene ritmo, evento dell’aria, atmosfera, ricalco e richiamo. Può tessere una linea melodica contrappuntata dal gesto e articolare la parola, veicolando immagini e significati. Il suono, nelle sue varie forme chiama l’essere assieme, dall’effusione del folklore al segreto di una intima concertazione.    

Silvia Mai è danzatrice, pastora d’alpeggio, arte terapeuta in formazione. Il percorso in ambito artistico è segnato dall’incontro con Raffaella Giordano, Silvia Rampelli, Dominique Dupuy, Claudia Dias, Anna Paola Bacalov e dall’esperienza sulla scena come interprete e autrice. Dopo alcuni anni di silenzio artistico, dove ha conosciuto e praticato la vita da pastore, riprende il filo della ricerca artistica con “Prospettive Animali” ideato per Danae festival 2021 e il lavoro come interprete (in “Desert” di Leonardo Delogu e “To Repel Ghostsl/Lettera al Padre” di Gennaro Lauro). Nel 2023 inizia il percorso formativo in Arteterapia Antroposofica presso il Cinabro Europeo di Milano. È creatrice di “Raku” (Premio GD’A Veneto 2012), “Prospettive Animali” (2021), studio per “Oikos/SONO” (vincitore Premio Tuttoteatro Dante Cappelletti 2024), i progetti video “Kyou” e “Dentro” (2024).  

Un lavoro corporeo basato sull’acqua, in cui l’acqua invita in uno spazio intimo e auto-riflessivo. La ricerca punta a una traduzione artistica di questa qualità unica di intimità, in cui il corpo di chi dà diventa un mezzo invisibile, aiutando chi riceve a connettersi veramente con il proprio corpo. Uno spazio in cui i partecipanti possano immergersi in un ambiente sicuro e alternativo, incoraggiandoli a liberare il loro potenziale creativo.
Come possiamo co-creare uno spazio di fiducia e una condizione in cui l’esplorazione ludica sia incoraggiata? La ricerca indaga quindi come le pratiche incarnate possano portare nuova profondità al nostro tempo quotidiano, aiutandoci a connetterci, a pensare e a lavorare in modi che onorano pienamente il nostro sé.

Jija Sohn è un’artista nippo-coreana di base ad Amsterdam. Ha radicato la sua pratica nei principi del benessere, della cura e dellapienezza della vita. Dal 2019, ha dedicato il suo lavoro all’esplorazione delle connessioni e delle relazioni umane, sviluppando tre progetti basati sulla comunità – “Lands of Concert”, “Phantom Travels” e” Landing on Feathers”. Ha inoltre lavorato al progetto comunitario “Performing Gender – Dancing In Your Shoes” con il Theater festival Boulevard nel 2022-2023. Questi progetti sono diventati il suo modo di guardare all’interno della natura umana, riconoscendo e abbracciandone tutti i difetti e punti di forza. Dal 2023 studia le pratiche corporee dell’acqua come il Watsu® (Shiatsu in acqua) e la Water Dance e si immerge nell’acqua come ambiente per l’esplorazione del movimento come territorio artistico.

TABULA RASA 2025 – Nulla è come appare 
da un’idea di Doriana Crema  
autore luci Gianni Staropoli  

Tabula Rasa continua il suo viaggio di ricerca, riprende alcuni passaggi delle precedenti residenze e diventa questa volta una chiamata. Per chi desidera assumersi la responsabilità di stare in uno spazio vuoto, per un tempo, in silenzio e ascoltare la mancanza. La mancanza di qualcosa da vedere, da fare da dire.
Cosa ci attraversa quando ci posizioniamo sul margine di uno spazio vuoto sconosciuto? Cosa succede se quello spazio diventa un’estensione del nostro esserci, dove l’accadere della nostra presenza crea forma e significati altri, non ancora immaginati meno visibili, più intimi, più profondi forse?
Lo stare e forse l’attraversare quello spazio predisposto assume un significato che è quello dello sguardo della persona che compie questo viaggio, in solitaria.
La complessità si spoglia, lo spazio vuoto diventa lo spazio dove farsi trovare, dove affondare l’ascolto, dove cogliere la nostra incertezza ed è lì possiamo cogliere che “nulla è come appare”, forse. 

Nei giorni 1, 2, 3 e 4 ottobre, negli spazi della Sala Grande di Lavanderia a Vapore, Tabula Rasa apre il suo tragitto di ricerca a una partecipazione individuale nei primi tre giorni e collettiva il quarto giorno.
La partecipazione individuale, della durata di 50 minuti, prevede 35 minuti di presenza nello spazio sala, dove verranno date direttamente alcune indicazioni di traiettoria, e a seguire 15 minuti di libero rilascio di tracce in uno spazio allestito a fianco della sala.
Il giorno 4 ottobre, dalle 10 alle 13, tutti coloro che sono stati presenti alle precedenti giornate agiranno una azione partecipata collettiva. Sempre il giorno 4, sarà possibile per altre persone essere presenti come testimoni e partecipare poi alle riflessioni che verranno condivise al termine dell’esperienza. Ogni partecipazione verrà accompagnata da Doriana Crema

Per la partecipazione nei giorni 1/2/3 è necessaria la prenotazione entro il 29 settembre alla mail pedrazzoli@lavanderiaavapore.eu.  

Orari disponibili nelle giornate 1, 2, 3 ottobre: 10 – 11 – 12 – 14,30 – 15,30 – 16,30 – 17,30 

Artista associata di Lavanderia a Vapore, formatrice, coreografa, counselor ad orientamento psicosintetico, Doriana Crema si forma come danzatrice presso il Teatro Nuovo di Torino con Carla Perotti, come operatrice nel campo dell’espressione corporea con Anna Sagna presso la scuola di danza Bella Hutter, approfondisce la sua formazione in danza contemporanea con Raffaella Giordano, segue il processo di formazione in danza sensibile con Claude Coldy.
Per vent’anni è formatrice nei laboratori di espressione corporea con bambini e insegnanti presso diverse direzioni didattiche nella città di Torino e Strasburgo. Crea insieme a Rita Fabris, nel 2016, il percorso di formazione Danzatori di Comunità. Cura il progetto Solitudo “Visioni per una comunità creativa” insieme a Raffaella Tomellini e Fabio Castello.
Accompagna artisti singoli e compagnie di danza nei processi creativi. È counselor e docente presso la Scuola Superiore di Counseling di Torino.