Per artistə

Una ricerca di Kadri Sirel ed Eugenia Coscarella sul tema della memoria, nata in Lavanderia a Vapore e co-costruita con il team curatoriale. La ricerca si interroga su come attivare, costruire, documentare la memoria a partire da pratiche collettive e su come questo si relaziona con l’istituzione culturale. 

Come la memoria ci permette di rigenerare il passato e aprire una porta sul futuro?  

L’Archivio Liquido è un ambiente temporaneo e mutaforma, che si attiva durante gli eventi pubblici della Lavanderia a Vapore. È un dispositivo relazionale fluido e sensibile che crea una connessione tra il pubblico, l’atmosfera dell’evento e i temi curatoriali. L’architettura e la postura liquida dell’esperienza favoriscono la delicata interazione di corpi ed elementi come archivi viventi, che grazie all’incontro possono rigenerarsi reciprocamente e portare via con sé i nutrienti dell’esperienza. 
L’archivio quindi è un accadimento. È una pratica in continuo divenire che prende forma dallo stare insieme, nel qui e ora, generando una coreografia liquida. Grazie all’attivazione sensoriale, memorie, paure, desideri, emozioni, silenzi trovano spazio, per emergere, traboccare, intrecciarsi e intensificarsi nel presente, lasciando che il futuro prenda forma come possibilità condivisa.  

Nel 2026, immaginiamo l’Archivio Liquido come il centro cardiaco dei festival Dark MatterS e Spring Rolls: una camera calda di accoglienza, espansione dell’ascolto e rilascio, di ciò che scorre nel sangue e arriva al cuore. 
In residenza dal 22 al 30 gennaio e dal 16 al 25 marzo, apriamo un nuovo tempo di ricerca, guidate dal calore dell’acqua e dalla suggestione somatico-anatomica del cuore ci chiediamo: 
Come nell’incontro ossigeniamo il nostro archivio?   

un progetto di Anna Basti – Associazione Chiasma 
realizzato con il sostegno della Lavanderia a Vapore nell’ambito del programma “Residenze Trampolino” 
artiste e artisti coinvolti per Lavanderia a Vapore Viola Scaglione/Balletto Teatro di Torino; Elena Rolla/Compagnia EgriBiancoDanza; Amina Amici/Compagnia Zerogrammi 
scuole partecipanti  Ad’a Dance Studio, Apid Piemonte, asd Sport 8, Fondazione Egri per la Danza (Alta Formazione Egri Danza), Mamadanse – Centro di Formazione alla Danza, Scuola del Balletto Teatro di Torino, Tilde Danza 

Il progetto Carmen_Nous sommes toustes des étoiles si sviluppa grazie al dialogo fra vari soggetti del territorio, le scuole di danza, le artiste Viola Scaglione, Elena Rolla, Amina Amici e la coreografa Anna Basti come punto di attivazione per riflettere sui contenuti che i grandi balletti e le opere classiche hanno e continuano a veicolare. L’obiettivo, nel 2026, è quello di continuare a indagare quello che la figura di Carmen muove; a ragionare sulla potenza che i corpi possono arrivare a esprimere sull’idea di erotico che propone Audre Lorde: erotico come forza generatrice, come qualità del fare, come potere. Questa nuova sessione di ricerca tocca un altro punto fondamentale che riguarda la figura di Carmen: il magico. Nella novella, l’elemento magico è trainante rispetto alla volontà dell’archeologo/voce narrante di approfondire la conoscenza di Carmen. Nell’opera lirica viene ridimensionato a una lettura di carte, che presagisce la fine tragica di Carmen e Don José. Nel balletto di Roland Petit, viene del tutto eliminata. Così come abbiamo incontrato e cercato di accogliere un’idea dell’erotico diversa da quella comunemente percepita, riusciamo a dare un valore diverso all’idea di magico? Leggerlo come una risorsa, un ulteriore livello di sensibilità e di percezione che può nutrire la nostra relazione con il reale? Come un terreno che sfugge al controllo razionale e produttivo che ci viene offerto come unica maniera di stare al mondo? Come una forma “illecita di potere” e di sapere, che in quanto percepita come eccedente rispetto a una visione normata del reale, viene combattuta perché difficile da controllare?  

Dal 2019 a oggi, la ricerca di Anna Basti è sempre più orientata verso il coinvolgimento di non professionisti e verso la costruzione di contenitori esperienziali e partecipativi, nella convinzione che i saperi sul corpo abbiano un potere rivoluzionario e trasformativo se condivisi con un numero più ampio possibile di soggettività. In quest’ottica, si colloca a cavallo tra diversi linguaggi artistici, prendendo la ricerca sul corpo come base di partenza per poter creare ponti tra varie discipline.  

Un progetto di Jija Sohn
in collaborazione con Kadri Sirel e Lavanderia a Vapore
con il sostegno di Vernulvier Gent

Momenti di epifania, in cui l’intimità e la fiducia si percepiscono immediatamente, senza bisogno di spiegazioni. Quando questo accade, è come entrare in uno stato di fluidità: il tempo rallenta, diventa liquido e le sensazioni, i pensieri, le emozioni e le relazioni iniziano a muoversi insieme, come una marea condivisa.
Per Jija Sohn l’acqua rappresenta uno spazio intimo e di autoriflessione, che ci invita ad ammorbidirci, ad ascoltare e a cambiare.
Quale postura permette a questi momenti di dispiegarsi? Come possiamo rimanere vicini al nucleo della propria ricerca, rimanere in relazione con gli altri e con l’ambiente, invece di disperderci tra aspettative o distrazioni?
Questa ricerca è iniziata attraverso un’indagine condivisa con Kadri Sirel (Lavanderia a Vapore): come creare una buona conversazione, una conversazione guidata dalla curiosità, in cui è possibile condividere e in cui viene dato spazio ai momenti di scoperta. Da questo processo sono emersi due formati: Liquid Blue Walk e Pajama Party; non performance, ma situazioni condivise, strutturate attraverso il camminare, il chiacchierare, il riposare, il muoversi e l’ascoltare. La ricerca di Jija Sohn sviluppa questi formati, esplorando come gli incontri possano essere sostenuti, percepiti e testimoniati attraverso condizioni attentamente mantenute.

Jija Sohn è un’artista nippo-coreana di base ad Amsterdam. Dal 2019, ha dedicato il suo lavoro all’esplorazione delle connessioni e delle relazioni umane. Ha lavorato al progetto comunitario “Performing Gender – Dancing In Your Shoes” con il Theater festival Boulevard nel 2022-2023. Dal 2023 studia le pratiche corporee dell’acqua come il Watsu® (Shiatsu in acqua) e la Water Dance e si immerge nell’acqua come ambiente per l’esplorazione del movimento come territorio artistico.

Ricerca, ideazione Gaia Ginevra Giorgi  
performance Gaia Ginevra Giorgi, Denise Tosato 
Dialogo drammaturgico Giada Cipollone  
accompagnamento artistico Stella Succi 
pratiche vocali Veza Fernández 
consulenza coreografica Asher O’Gorman 
luci e direzione tecnica Andrea Sanson  
suoni Devid Ciampalini 
abiti Gianni Mattarucco 
consulenza spazio scenico Cosimo Ferrigolo 
consulenza live electronics Emanuele Pontecorvo 
cura e diffusione Edoardo Lazzari 
organizzazione e amministrazione Giusy Guadagno 
produzione Extragarbo 
con il sostegno di Snaporazverein (CH), Lavanderia a Vapore – Centro di Residenza per la Danza (IT), Murmuris (IT), IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (IT), Linha de fuga (PT), Premio Vienna (Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, d’intesa con la Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale e l’Istituto Italiano di Cultura di Vienna), Phonogrammarchiv (AT)

Nel contesto di una fake lecture che si trasforma in una séance, la performance esplora le storie e le pratiche di corpi femminili che, attraverso tecniche vocali, fenomeni metafonici e allucinazioni sonore, hanno hackerato i linguaggi e le prassi patriarcali e classiste del sapere e del potere dominante (medico-scientifico). 
Attraverso la lettura storica dei modi oppressivi e patologizzanti del male gaze tra magnetismo animale, spiritismo, illusionismo, psicanalisi, tecnologia e scienza, la performance indaga la vocalità come strumento di presa di parola, tra tattiche di inganno mimetico e desideri di resistenza. 

Gaia Ginevra Giorgi è artista ricercatrice attiva nei campi delle arti performative e della sound-art. La sua pratica integra scrittura, suono, voce e dispositivi performativi. Come autrice, dramaturg e performer, ha preso parte a diversi progetti performativi presentati in istituzioni e festival tra cui Santarcangelo Festival, BASE Milano, Istituto Svizzero (Milano), TBA21-Academy (Venezia), Short Theatre (Roma), Triennale Teatro (Milano), Romaeuropa, Lavanderie a Vapore (Torino), Fondazione Antonio Ratti (Como), Schlachthaus Theater (Berna), Espacio Fundación Telefónica (Madrid), Schirn Kunsthalle (Francoforte), Barcelona Poesia, Das Weisse Haus (Vienna), La Biennale di Venezia e molti altri.
Attraverso un approccio femminista, ecologico e situato, la sua pratica artistica esplora metodologie di indagine per la riscrittura affettiva e politica degli archivi e del paesaggio. I suoi interventi—che spaziano tra performance, installazioni e progetti laboratoriali o text-based— producono habitat effimeri, spazi per un’immaginazione incarnata e radicale. La sua ricerca esamina le relazioni tra memoria, documenti d’archivio, tracce immateriali, fantasmi e heritage collettivo.  

FONDO – Nuovo network per la creatività emergente
Progetto coordinato da Santarcangelo dei Teatri e realizzato in collaborazione con AMAT Associazione Marchigiana Attività Teatrali; Centrale Fies; Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale; Fondazione Fabbrica Europea per le arti contemporanee; Fondazione I Teatri – Reggio Emilia; Fuorimargine / Centro di produzione della danza in Sardegna; L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino | Centro di Residenza Emilia-Romagna; Lavanderia a Vapore / Fondazione Piemonte dal Vivo; OperaEstate Festival Veneto / Centro per la Scena Contemporanea; Ravenna Teatro; SCARTI Centro di Produzione Teatrale d’Innovazione della Liguria; Teatro Stabile dell’Umbria; Triennale Milano Teatro  

Dal 2024 Lavanderia a Vapore aderisce a FONDO, un progetto avviato da Santarcangelo dei Teatri in collaborazione con una rete dedicata allo sviluppo di artiste e artisti emergenti con l’obiettivo di sostenere le fasi di ricerca di progetti performativi che per loro natura richiedono lunghi tempi di creazione. I 14 enti e strutture che compongono FONDO rispondono a obiettivi distinti all’interno del sistema teatrale e performativo, facendo fronte in questo modo a esigenze di lavoro differenziate rispetto alla produzione artistica, dallo sviluppo alla circuitazione. Il programma, della durata di un anno, prevede un supporto economico di 20.000€ (a gruppo) destinato alla ricerca e alla produzione di un progetto creativo, così come la partecipazione di artiste, artisti e compagnie ad almeno 50 giornate di residenza ospitate dai partner, 4 masterclass o workshop guidati da autrici e autori internazionali. 

Violetta Cottini, classe ‘97, è un’artista originaria delle Alpi piemontesi ed esplora i campi della danza, delle arti performative e delle arti visive. Si forma alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano in danza contemporanea. Dal 2020 al 2023 collabora con il collettivo Sorelle di Damiano. Nel 2023, crea il laboratorio Chincaglierie-fare rumore e partecipa al festival di arti performative Exit a Bologna. Da ottobre 2024 fa parte del progetto Creative Campus di Sardegna Teatro. All’interno del festival Giornate del Respiro 2024, insieme alla musicista Carlotta Sofia Grassi porta il lavoro Chincaglierie fare rumore x posto’segreto, un’estensione performativa della ricerca sugli oggetti portata avanti sotto forma laboratoriale. Lavora con Cristina Kristal Rizzo ed è interprete nello spettacolo Monumentum the second sleep/seconda parte, il quartetto. Da due anni collabora con il collettivo DOM- (Leonardo Delogu e Valerio Sirna) ed è presente nei lavori: LA CITTÀ CHE CAMMINA e in Darkness Picnic. Vincitrice del bando ERetici, le strade dei teatri 2024 sostenuto da Centro di Residenza Emilia-Romagna con il progetto Do fairies have a tail? in collaborazione con Alessandra e Roberta Indolfi, ora prodotto da Fuorimargine. In questo momento sta approfondendo lo studio dell’arte visiva e dell’installazione in relazione alla performance. 

“Gli uccelli migratori sanno come raggiungere la loro destinazione, anche quando la tempesta li manda fuori rotta… Esiste un’arte del fare stormo: stare abbastanza lontani da non accalcarsi, abbastanza allineati da mantenere la direzione condivisa, e abbastanza coesi da muoversi sempre l’uno verso l’altro. (Rispondendo insieme al destino.)”
Adrienne Maree Brown 

Liquid Blue Walk è un viaggio immersivo da bendati, un atto collettivo di esplorazione di un paesaggio speciale e umano dove i partecipanti dispiegano insieme possibili scenari. Una camminata che va alla deriva in un silenzioso unisono, come un banco di pesci nel blu della notte. Una camminata dove il familiare diventa sconosciuto.  Una camminata che ti permette di riconnetterti con la tua curiosità.
Liquid Blue Walk è un momento collettivo — un’opportunità di ridare forma al modo con cui ci relazioniamo ai luoghi, ai nostri spazi interiori e l’un l’altro. Per relazionarsi non solo col mondo attorno a noi, ma anche con il nostro respiro. Per muoversi diversamente, fermarsi, sentire. Per esplorare modi per essere presenti insieme, incoraggiare connessioni vere, reciprocità, e comprensione. Per cambiare lentamente dalla vista e la logica, alla dimensione del buio che permette ad altri canali di emergere.
Offre una pausa rara: un momento per sospendere, per vagare, e riconnettersi con sé stessi.  

Christopher Serebour ha iniziato il suo percorso con hip hop e break dance, proseguendo con afro dance, contact improvisation e danza contemporanea. Ha approfondito recitazione e scrittura, integrando questi strumenti alla ricerca corporea. Ha partecipato al corso promosso da Fondazione Aterballetto sul ruolo della danza nel welfare culturale e continua a formarsi attraverso workshop e laboratori sulle arti performative. Collabora con artisti e realtà che promuovono inclusione e accessibilità, con l’obiettivo di abbattere le barriere legate alla disabilità e rendere la danza e l’arte un linguaggio universale. 

Jija Sohn è un’artista nippo-coreana di base ad Amsterdam. Dal 2019, ha dedicato il suo lavoro all’esplorazione delle connessioni e delle relazioni umane, sviluppando tre progetti basati sulla comunità – “Lands of Concert”, “Phantom Travels” e” Landing on Feathers”. Ha inoltre lavorato al progetto comunitario “Performing Gender – Dancing In Your Shoes” con il Theater festival Boulevard nel 2022-2023. Questi progetti sono diventati il suo modo di guardare all’interno della natura umana, riconoscendo e abbracciandone tutti i difetti e punti di forza. Dal 2023 studia le pratiche corporee dell’acqua come il Watsu® (Shiatsu in acqua) e la Water Dance e si immerge nell’acqua come ambiente per l’esplorazione del movimento come territorio artistico. 

Residenza collettiva di formazione sulla relazione tra suono, spazio e corpo 
A cura di Enrico Malatesta
Parteciperanno Elena Borgna, Tomi Cestari, Mangelli e Romagnoli, Marta Lucchini, Nina Nikic, Noemi Poppi, Giulia Raffaelli, Juliana Ricciardi, Alia Rilletti. Jacopo Sandrelli e, in collaborazione con Nuove Traiettorie – Azione del network Anticorpi XL, Ilaria Bagarolo, Alice Camoriano, Caterina Piergiovanni (Collettivo TAC – TastierACorpi), Elena Maria Antonello, Marta Magini.

Annotazioni Superficiali è un progetto formativo a cura di Enrico Malatesta volto a indagare il suono e le dinamiche dell’ascolto, applicate all’ambito delle arti performative, sonore e visive, così come della danza e del teatro.  
Il percorso residenziale, basato sullo studio della relazione tra corpo, suono e spazio, è dedicato ad artiste e artisti, danzatori/danzatrici e performer che adotteranno come campo di indagine l’edificio, la configurazione degli ampi spazi (esterni ed interni) di Lavanderia e il suo innesto urbano.   
L’intento generale del progetto è quello di fornire conoscenza delle implicazioni e del potere del suono rispetto alla scena, alla sua capacità fluida di modificare la percezione dello spazio e la presenza del corpo, trasformare la voce, rivitalizzare i materiali, sostenere, riempire, svuotare.

Enrico Malatesta è percussionista, ricercatore e sound artist attivo in ambiti sperimentali posti tra musica, performance e indagine territoriale; la sua pratica esplora le relazioni tra suono, spazio e movimento con particolare attenzione alle modalità di ascolto, alle affordances degli strumenti e al poliritmo, inteso come definizione di informazioni multiple attraverso un approccio ecologico e sostenibile all’atto percussivo.  
Attivo sin da giovanissimo come musicista di scena, compositore e formatore in ambito teatrale, svolge anche un’intensa attività pedagogica dedicata al suono e alle dinamiche dell’ascolto, collaborando, tra gli altri, con, IUAV – Corso di Laurea Magistrale in Teatro e arti performative, Accademia di Belle Arti di Bologna, Accademia di Belle Arti di Urbino, LABA Libera Accademia di Belle Arti di Rimini, IAAD – Istituto d’Arte Applicata e Design.  

un progetto di Anna Basti – Associazione Chiasma 
realizzato con il sostegno della Lavanderia a Vapore nell’ambito del programma “Residenze Trampolino” 
artiste e artisti coinvolti per Lavanderia a Vapore Viola Scaglione/Balletto Teatro di Torino; Elena Rolla/Compagnia EgriBiancoDanza; Amina Amici/Compagnia Zerogrammi 
scuole partecipanti  Ad’a Dance Studio, Apid Piemonte, asd Sport 8, Fondazione Egri per la Danza (Alta Formazione Egri Danza), Mamadanse – Centro di Formazione alla Danza, Scuola del Balletto Teatro di Torino, Tilde Danza 

Il progetto Carmen_Nous sommes toustes des étoiles si sviluppa grazie al dialogo fra vari soggetti del territorio, le scuole di danza, le artiste Viola Scaglione, Elena Rolla, Amina Amici e la coreografa Anna Basti come punto di attivazione per riflettere sui contenuti che i grandi balletti e le opere classiche hanno e continuano a veicolare. L’obiettivo, nel 2026, è quello di continuare a indagare quello che la figura di Carmen muove; a ragionare sulla potenza che i corpi possono arrivare a esprimere sull’idea di erotico che propone Audre Lorde: erotico come forza generatrice, come qualità del fare, come potere. Questa nuova sessione di ricerca tocca un altro punto fondamentale che riguarda la figura di Carmen: il magico. Nella novella, l’elemento magico è trainante rispetto alla volontà dell’archeologo/voce narrante di approfondire la conoscenza di Carmen. Nell’opera lirica viene ridimensionato a una lettura di carte, che presagisce la fine tragica di Carmen e Don José. Nel balletto di Roland Petit, viene del tutto eliminata. Così come abbiamo incontrato e cercato di accogliere un’idea dell’erotico diversa da quella comunemente percepita, riusciamo a dare un valore diverso all’idea di magico? Leggerlo come una risorsa, un ulteriore livello di sensibilità e di percezione che può nutrire la nostra relazione con il reale? Come un terreno che sfugge al controllo razionale e produttivo che ci viene offerto come unica maniera di stare al mondo? Come una forma “illecita di potere” e di sapere, che in quanto percepita come eccedente rispetto a una visione normata del reale, viene combattuta perché difficile da controllare?  

Dal 2019 a oggi, la ricerca di Anna Basti è sempre più orientata verso il coinvolgimento di non professionisti e verso la costruzione di contenitori esperienziali e partecipativi, nella convinzione che i saperi sul corpo abbiano un potere rivoluzionario e trasformativo se condivisi con un numero più ampio possibile di soggettività. In quest’ottica, si colloca a cavallo tra diversi linguaggi artistici, prendendo la ricerca sul corpo come base di partenza per poter creare ponti tra varie discipline.  

Una ricerca di Kadri Sirel ed Eugenia Coscarella sul tema della memoria, nata in Lavanderia a Vapore e co-costruita con il team curatoriale. La ricerca si interroga su come attivare, costruire, documentare la memoria a partire da pratiche collettive e su come questo si relaziona con l’istituzione culturale. 

Come la memoria ci permette di rigenerare il passato e aprire una porta sul futuro?  

L’Archivio Liquido è un ambiente temporaneo e mutaforma, che si attiva durante gli eventi pubblici della Lavanderia a Vapore. È un dispositivo relazionale fluido e sensibile che crea una connessione tra il pubblico, l’atmosfera dell’evento e i temi curatoriali. L’architettura e la postura liquida dell’esperienza favoriscono la delicata interazione di corpi ed elementi come archivi viventi, che grazie all’incontro possono rigenerarsi reciprocamente e portare via con sé i nutrienti dell’esperienza. 
L’archivio quindi è un accadimento. È una pratica in continuo divenire che prende forma dallo stare insieme, nel qui e ora, generando una coreografia liquida. Grazie all’attivazione sensoriale, memorie, paure, desideri, emozioni, silenzi trovano spazio, per emergere, traboccare, intrecciarsi e intensificarsi nel presente, lasciando che il futuro prenda forma come possibilità condivisa.  

Nel 2026, immaginiamo l’Archivio Liquido come il centro cardiaco dei festival Dark MatterS e Spring Rolls: una camera calda di accoglienza, espansione dell’ascolto e rilascio, di ciò che scorre nel sangue e arriva al cuore. 
In residenza dal 22 al 30 gennaio e dal 16 al 25 marzo, apriamo un nuovo tempo di ricerca, guidate dal calore dell’acqua e dalla suggestione somatico-anatomica del cuore ci chiediamo: 
Come nell’incontro ossigeniamo il nostro archivio?   

“Gli uccelli migratori sanno come raggiungere la loro destinazione, anche quando la tempesta li manda fuori rotta… Esiste un’arte del fare stormo: stare abbastanza lontani da non accalcarsi, abbastanza allineati da mantenere la direzione condivisa, e abbastanza coesi da muoversi sempre l’uno verso l’altro. (Rispondendo insieme al destino.)”
Adrienne Maree Brown 

Liquid Blue Walk è un viaggio immersivo da bendati, un atto collettivo di esplorazione di un paesaggio speciale e umano dove i partecipanti dispiegano insieme possibili scenari. Una camminata che va alla deriva in un silenzioso unisono, come un banco di pesci nel blu della notte. Una camminata dove il familiare diventa sconosciuto.  Una camminata che ti permette di riconnetterti con la tua curiosità.
Liquid Blue Walk è un momento collettivo — un’opportunità di ridare forma al modo con cui ci relazioniamo ai luoghi, ai nostri spazi interiori e l’un l’altro. Per relazionarsi non solo col mondo attorno a noi, ma anche con il nostro respiro. Per muoversi diversamente, fermarsi, sentire. Per esplorare modi per essere presenti insieme, incoraggiare connessioni vere, reciprocità, e comprensione. Per cambiare lentamente dalla vista e la logica, alla dimensione del buio che permette ad altri canali di emergere.
Offre una pausa rara: un momento per sospendere, per vagare, e riconnettersi con sé stessi.  

Christopher Serebour ha iniziato il suo percorso con hip hop e break dance, proseguendo con afro dance, contact improvisation e danza contemporanea. Ha approfondito recitazione e scrittura, integrando questi strumenti alla ricerca corporea. Ha partecipato al corso promosso da Fondazione Aterballetto sul ruolo della danza nel welfare culturale e continua a formarsi attraverso workshop e laboratori sulle arti performative. Collabora con artisti e realtà che promuovono inclusione e accessibilità, con l’obiettivo di abbattere le barriere legate alla disabilità e rendere la danza e l’arte un linguaggio universale. 

Jija Sohn è un’artista nippo-coreana di base ad Amsterdam. Dal 2019, ha dedicato il suo lavoro all’esplorazione delle connessioni e delle relazioni umane, sviluppando tre progetti basati sulla comunità – “Lands of Concert”, “Phantom Travels” e” Landing on Feathers”. Ha inoltre lavorato al progetto comunitario “Performing Gender – Dancing In Your Shoes” con il Theater festival Boulevard nel 2022-2023. Questi progetti sono diventati il suo modo di guardare all’interno della natura umana, riconoscendo e abbracciandone tutti i difetti e punti di forza. Dal 2023 studia le pratiche corporee dell’acqua come il Watsu® (Shiatsu in acqua) e la Water Dance e si immerge nell’acqua come ambiente per l’esplorazione del movimento come territorio artistico. 

Da un’idea di Doriana Crema 

Tabula Rasa continua il suo viaggio di ricerca, riprende alcuni passaggi delle precedenti residenze e diventa questa volta una chiamata. Per chi desidera assumersi la responsabilità di stare in uno spazio vuoto, per un tempo, in silenzio e ascoltare la mancanza. La mancanza di qualcosa da vedere, da fare da dire. Cosa ci attraversa quando ci posizioniamo sul margine di uno spazio vuoto sconosciuto? Cosa succede se quello spazio diventa un’estensione del nostro esserci, dove l’accadere della nostra presenza crea forma e significati altri, non ancora immaginati, meno visibili, più intimi, più profondi forse? Lo stare e forse l’attraversare quello spazio predisposto assume un significato che è quello dello sguardo della persona che compie questo viaggio, in solitaria. La complessità si spoglia, lo spazio vuoto diventa lo spazio dove farsi trovare, dove affondare l’ascolto, dove cogliere la nostra incertezza; lì possiamo cogliere che “nulla è come appare”, forse. 

apertura collettiva: 23 maggio 2026

Artista associata di Lavanderia a Vapore, formatrice, coreografa, counselor a orientamento psicosintetico, Doriana Crema si forma come danzatrice presso il Teatro Nuovo di Torino con Carla Perotti, come operatrice nel campo dell’espressione corporea con Anna Sagna presso la scuola di danza Bella Hutter, approfondisce la sua formazione in danza contemporanea con Raffaella Giordano, segue il processo di formazione in danza sensibile con Claude Coldy. È stata formatrice nei laboratori di espressione corporea con bambini e insegnanti presso diverse direzioni didattiche nella città di Torino e Strasburgo. Crea insieme a Rita Fabris, nel 2016, il percorso di formazione Danzatori di Comunità. Cura il progetto Solitudo “Visioni per una comunità creativa” insieme a Raffaella Tomellini e Fabio Castello. Accompagna artisti singoli e compagnie di danza nei processi creativi. È counselor e docente presso la Scuola Superiore di Counseling di Torino.

a cura di Federica Tardito  
con la collaborazione di Enrica Brizzi, Carlo Cantono, Cristina Conti, Pasquale Dominelli, Olimpia Fortuni, Luce Lainé, Flavia Marini, Alice Milani, Carlo Oddi, Pietro Piantedosi, Aldo Rendina, Elisa Sbaragli, Enrico Tedde e Federica Tripodi e con la partecipazione di Giovanna Milanese Tardito  
live sound performance Marko Tardito  
dramaturg Cristina Sertorio 

IL TAVOLO è un’esperienza performativa partecipata, un sistema scenico che esplora le dinamiche della connessione umana attraverso il linguaggio del movimento danzato. Una particolare mise en place dove tutto si mescola, l’aria si fa spazio attivo tra i corpi e il quadro si dipinge all’interno della sua cornice, generando un campo di accadimenti dove ogni gesto, anche quello inatteso, diventa elemento compositivo di una partitura non pre-vista. IL TAVOLO è il pretesto per cooperare e ri-accendere le radici della relazione e dell’agire condiviso. 
Il progetto è aperto a includere, nella materia esperienziale del lavoro, la partecipazione di altre persone, altre comunità, altre differenze, immaginando incontri aperti alla cittadinanza. 
Scritto in collaborazione con Alice Milani, Olimpia Fortuni e Flavia Marini  

Federica Tardito si forma come danzatrice e studia il lavoro dell’attore e del clown. In passato lavora principalmente in Francia con Georges Appaix, in Svizzera con Pierre Byland e in Italia con Roberto Castello e Giorgio Rossi in seno all’Associazione Sosta Palmizi, con la quale collabora tuttora. Nel suo percorso incontra la regista clown Giovanna Mori. Insieme ad Aldo Rendina crea la Compagnia Tardito/Rendina. Collabora alla realizzazione di “Sparsi”, opera collettiva per soundpainter, danzatori e musicisti dal vivo. Crea il solo “Sonja”, con il sostegno di Aldo Rendina, progetto vincitore bando AiR – Artisti in Residenza 2020 della Lavanderia a Vapore. Accompagna Aldo Rendina alla creazione del solo “Swan”. Da anni conduce attività pedagogiche‚ tra la danza, il teatro e il clown. Parallelamente alla frequentazione della scena intraprende un percorso di studi e ricerca sulla meditazione, pratica che utilizza anche nell’ambito artistico.