Residenze Artistiche

di James Batchelor (DE)
nell’ambito di ÉTAPE DANSE, un progetto di cooperazione Francia – Germania – Italia a sostegno di nuove creazioni coreografiche in collaborazione con Mosaico Danza / Festival Interplay

Echo Field è una nuova collaborazione tra il coreografo/performer australiano con sede a Berlino James Batchelor, il performer/artista di danza con sede ad Amsterdam Arad Inbar e l’artista/designer grafico 3D Leeza Pritychenko. Una delle curiosità principali di Echo Field è la connessione che si crea condividendo il movimento o ballando insieme, e come il mondo digitale media questa relazione. Questo progetto di residenza si concentrerà su come il corpo in movimento e l’immagine digitale possono sostenersi a vicenda, con il desiderio di sperimentare una gamma di strumenti diversi che riecheggiano il movimento tra ambienti dal vivo e virtuali.

di Collectif Hinterland (FR)
nell’ambito di ÉTAPE DANSE, un progetto di cooperazione Francia – Germania – Italia a sostegno di nuove creazioni coreografiche in collaborazione con Mosaico Danza / Festival Interplay

FAIRE FLEURIR riunisce un ballerino, due musicisti, un mucchio di pietre e un ricco ambiente di luci e ombre, sotto un velo che definisce i limiti di uno spazio sorprendentemente teso. Il tessuto che funziona come un soffitto molto basso. Seduto tutt’intorno a questa grotta senza pareti, il pubblico assiste a un’inclinazione forzata verso il suolo. Tutto qui avviene a un livello che impedisce all’essere umano di alzarsi in piedi. In questo rifugio sotterraneo, in questo luogo appartato e segreto, alcune persone si riuniscono e imparano a gattonare.

un progetto di Lavanderia a Vapore
in collaborazione con EDN e Al.Di.Qua. Artists

Il nostro corpo non è il problema, né le nostre capacità fisiche, motorie, sensoriali, neurologiche, cognitive. Non possiamo più accettare che sotto un unico comodo termine medico-scientifico vengano riportati e appiattiti i nostri corpi, le nostre storie, le nostre mutevoli identità. Non stiamo parlando di disabilità, ma di Esperienze Disabilitanti imposte da una società costruita su un modello che avvantaggia solo l’essere umano occidentale, maschio, bianco, abile, sano, cisgender ed etero. (dal Manifesto di Al.Di.Qua. Artists)

What Makes You Disabled?, una quattro-giorni di residenza collettiva realizzata da Lavanderia a Vapore nell’ambito del progetto Carte Blanche dell’European Dancehouse Network, in collaborazione con Al.Di.Qua. Artists. Un’occasione per favorire uno scambio di pratiche artistiche e saperi in relazione al tema dell’accessibilità, intesa – anziché come servizio – quale condizione strutturale per una società equa.  I quattro giorni di residenza collettiva, dal 22 al 25 maggio, con la partecipazione di circa 40 rappresentanti provenienti da tutta Europa (artisti/e, curatori e curatrici, mediatori e mediatrici, producer), propongono uno slittamento di percezione – dalla disabilità alle condizioni disabilitanti che permeano la nostra società – favorendo un cambiamento paradigmatico che superi il modello abilista, per ripensare il presente, gli spazi, i tempi e le condizioni di creazione secondo una prospettiva plurale che accoglie voci troppo spesso silenziate, su tempi e processi che condizionano il presente di ciascuno.  

PROGRAMMA

22 maggio
ore 15.00 – 15.30: accoglienza
ore 15.30 – 18.00: Access agreement. Il bisogno come luogo d’incontro a cura di Eugenia Coscarella (dramaturg di comunità e ricercatrice nell’ambito del dialogo tra pratiche corporee e di scrittura) e Kadri Sirel (ricercatrice nell’ambito della performance documentation)/Lavanderia a Vapore, in dialogo con Stefania Di Paolo (studiosa, curatrice, disability advocate, fondatrice TalkwithDance e collaboratrice di Hangar)

Attraverso pratiche corporee e di scrittura, il workshop apre al tema del bisogno, come luogo d’incontro e dialogo con noi stessi e con gli altri. Cosa mi serve per stare bene qui? Ascolto, silenzio, sguardo, dialogo nello spazio intimo e collettivo, saranno gli strumenti per lasciare emergere i nostri bisogni, posizionarli nello spazio e formulare nell’incontro un access agreement di gruppo che possa accompagnarci durante Carte Blanche.

ore 18.00- 18:30: check out moderato da Diana Anselmo (performer e attivista)

23 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Eyes and hands a cura di Daniel Bongioanni (artista sordo e insegnante di Lingua Italiana dei Segni) e Nikita Lymar (performer)

Attraverso la percezione visiva, il workshop permette una riflessione sull’uso degli occhi, le espressioni facciali e le mani. Grazie all’uso di queste ultime, si prende consapevolezza in diversi ambiti: nell’uso quotidiano, nella lingua dei segni, nell’arte, nel teatro.

ore 10.30 – 13.00: Tempi, spazi, comunicazione: l’accessibilità è un percorso con Elia Zeno Covolan (visual designer e illustratore trans, non binario e neurodivergente con malattia cronica e disabilità)

Questo workshop mira a esplorare l’importanza dell’accessibilità in luoghi culturali come festival, spettacoli teatrali e altri eventi. In particolare, ci si concentrerà sulla relazione tra accessibilità, tempi, spazi e comunicazione e su come questi fattori possano influire sulla capacità delle persone neurodivergenti, con malattie croniche e/o disabilità di partecipare pienamente alle esperienze culturali.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Diana Anselmo (performer e attivista)

24 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Multiply perception a cura di Marta Olivieri (autrice e performer)

Il workshop desidera condividere l’incontro tra il lavoro performativo curato da Marta Olivieri e le pratiche di audio-descrizione ideate da Camilla Guarino e Giuseppe Comuniello. La collaborazione tra i tre autori ha generato un interesse per la riflessione sulla moltiplicazione della percezione. All’interno del laboratorio si proporrà una introduzione pratica del lavoro fatto in residenza per la creazione di Trespass_ Tales of the Unexpected.

ore 10.30 – 13.00: Eyes and hands a cura di Daniel Bongioanni (artista sordo e insegnante di Lingua Italiana dei Segni) e Nikita Lymar (performer)

Attraverso la percezione visiva, il workshop permette una riflessione sull’uso degli occhi e sulla possibilità di esprimersi attraverso espressioni facciali e le mani. Il loro utilizzo ci permette una maggior consapevolezza in molti ambiti: da quello quotidiano, alla lingua dei segni, all’arte, al teatro e molto di più.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Flavia Dalila D’Amico (studiosa e curatrice nel campo delle Arti visive e performative, videomaker e redattrice)

25 maggio
ore 10.00 – 10.30: accoglienza
ore 10.30 – 13.00: Multiply perception a cura di Marta Olivieri (autrice e performer)

Il workshop desidera condividere l’incontro tra il lavoro performativo curato da Marta Olivieri e le pratiche di audio-descrizione ideate da Camilla Guarino e Giuseppe Comuniello. La collaborazione tra i tre autori ha generato un interesse per la riflessione sulla moltiplicazione della percezione. All’interno del laboratorio porteremo una introduzione pratica del lavoro fatto in residenza per la creazione di Trespass_ Tales of the Unexpected.

ore 10.30 – 13.00: Tempi, spazi, comunicazione: l’accessibilità è un percorso con Elia Zeno Covolan, visual designer e illustratore trans, non binario e neurodivergente con malattia cronica e disabilità

Questo workshop mira ad esplorare l’importanza dell’accessibilità in luoghi culturali come festival, spettacoli teatrali e altri eventi. In particolare, ci si concentrerà sulla relazione tra accessibilità, tempi, spazi e comunicazione e su come questi fattori possano influire sulla capacità delle persone neurodivergenti, con malattie croniche e/o disabilità di partecipare pienamente alle esperienze culturali.

ore 13.00 – 15.00: pausa pranzo
ore 15:00 – 18.00: scambi di pratiche su task
ore 18.00 – 18:30: check out moderato da Flavia Dalila D’Amico (studiosa e curatrice nel campo delle arti visive e performative, videomaker e redattrice)

di e con Elisa D’Amico e Francesco Dalmasso

TOWARDS è un progetto che indaga il concetto, l’intenzione e l’azione dell’andare verso tramite immaginari fotografici, scritture condivise, corpi in azione e sonorità mobili. Che cosa significa andare verso? Quale postura è necessaria per permetterci questo movimento? Quali posizioni di partenza considerare? Quali movimenti, direzioni, tracciati percorrere? E quali approdi temporanei immaginare? Affondare in questa prospettiva, ci situa nel moto, non necessariamente lineare, di come le cose transitano l’una nell’altra, di come le cose vanno l’una verso l’altra.

Towards / Onwards / Backwards / Elsewards / Inwards / Exwards / X-wards

Elisa + Francesco
Elisa D’Amico e Francesco Dalmasso si incontrano durante gli studi presso ArtEZ Hogeschool voor de kunsten (NL). Lavorano come danzatori freelance in Italia e Europa per compagnie, progetti e istituzioni museali. Fanno parte dell’organizzazione di shared training torino e del team curatoriale del progetto Workspace Ricerca X_research and dramaturgy. Dal 2014 sviluppano una pratica artistica collaborativa, lavorando a progetti di ricerca e produzione declinati in formati molteplici. I loro lavori sono stati presentati e selezionati per: RAAA Performing Arts Festival (Brescia); Aldes/SPAM! (Lucca); Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni e Fondazione CR Firenze – Bando Abitante 2021; ACS Abruzzo Circuito Spettacolo; Permutazioni / Zerogrammi, Lavanderia a Vapore, Piemonte Dal Vivo; EDN; Polo del ‘900; Resurface Festival; OGR Torino; PAV Parco Arte Vivente. Sono artisti associati della compagnia Zerogrammi.

nell’ambito del progetto Migration Dance Film Project – Il movimento attraverso il viaggio
a cura di Associazione COORPI
con Sandy Silva e Marlene Millar (Canada)
residenza realizzata in collaborazione con Lavanderia a Vapore e Associazione Augenblick

Incarneremo quali valori, sogni e ricordi portiamo con noi e come si riflettono in luoghi specifici.

Dopo la ricerca iniziata a giugno 2022, la regista Marlene Millar e la coreografa di danza percussiva Sandy Silva tornano a Torino per proseguire lo sviluppo e la ricerca  finalizzate alla creazione di un nuovo film sulla migrazione dal titolo Landed: where the journey begins, nell’ambito del progetto Migration Dance Film Project, ambientato in diverse location piemontesi, tra cui il Parco della Certosa, a Collegno, e il Parco Dora, a Torino. Il percorso si sviluppa attraverso una serie di workshop multidisciplinari sia in studio che on location, basati su un viaggio processionale che elabora i temi della speranza, dell’appartenenza e dello scopo. Radicati nella filosofia delle storie di danza migratoria, i workshop MDFP invitano praticanti intergenerazionali e di comunità culturalmente eterogenee, a esplorare i processi intersecanti di idea / danza / paesaggio / suono, provando a capire come queste costellazioni culminino nella produzione di un film.

Il progetto Migration Dance Film Project, con sede a Montreal, realizza cortometraggi di danza percussiva che ruotano intorno al tema della migrazione: viaggi passati, presenti e futuri,  in ambientazioni naturalistiche, boschi, scogliere, paesaggi lunari. Ogni film riflette temi universali creando nuovi rituali attraverso il movimento, il ritmo e il canto. Il progetto nasce otto anni fa dalla collaborazione creativa tra:

Sandy Silva, pluripremiata performer, coreografa, compositrice, produttrice e pioniera della danza percussiva acclamata a livello internazionale. Attinge dalle pratiche percussive globali infondendo temi con il movimento, l’integrazione vocale, il teatro e la musicalità, creando una forma unica e potente di narrazione performativa.

Marlene Millar, regista di documentari, film di danza e produzioni multimediali sperimentali dal 1991. BFA in cinema, laureata in regia presso la School of Art Institute di Chicago, ha ricevuto una Pew Dance Media Fellowship presso l’Università della California (Los Angeles). L’ampia carriera di Millar è stata celebrata in occasione della sua prima mostra personale, una retrospettiva dei suoi 30 anni di attività presso il Threshold Artspace, UK (2019).

WORKSHOP

Calendario completo sul sito di COORPI: clicca qui

Per iscriversi ai workshop è necessario inviare una mail con nome partecipante e numero di telefono a: info.coorpi@gmail.com
Le iscrizioni chiuderanno, salvo raggiungimento numero massimo di partecipanti, entro e non oltre le ore 22 di mercoledì 10 maggio 2023.
Per maggiori info info.coorpi@gmail.com

ideazione e curatela del progetto Sineglossa
con Valerie Tameu
nell’ambito di FOOD DATA DIGESTION
in collaborazione con Play with Food, Libera Università di Bolzano e Lavanderia a Vapore
sostegno Fondazione Compagnia di San Paolo
nell’ambito del bando ART-WAVES
sviluppo creativo Michele Cremaschi
assistente ai costumi Augusta Tibaldeschi
assistente alle musiche Michele Mandrelli
consulente di biologia marina Agnese Riccardi
dramaturg Federica Patti

“Ciò che è meno che umano e ciò che vorrei considerare più che umano non è un oggetto passivo e inconscio, ma applica forme di resistenza attive e reali.” (Valerie Tameu)

Metabolo crea un ecosistema di mutua influenza tra corpo umano, macchine artificiali ed ecosistemi marini, in un rapporto di coesistenza multispecie. Con Metabolo, l’artista si interroga sulla possibilità di utilizzare la tecnologia per promuovere altre forme di intelligenza e cultura, non solo quelle occidentali o antropocentriche, attraverso la selezione di dataset creati da determinate specie ittiche e la reinterpretazione di pratiche indigene. Questa relazione è resa esplicita in primo luogo attraverso la connessione tra l’intelligenza artificiale e uno degli ecosistemi marini del nostro pianeta, quello che si trova al di sotto della Frying Pan Tower, 34 miglia al largo di Cape Fear, nella Carolina del Nord.

Lì una webcam subacquea – posizionata da volontari a scopo di ricerca – trasmette immagini in diretta su YouTube ed è liberamente accessibile. A differenza della maggior parte delle altre webcam subacquee presenti sulla stessa piattaforma online, questa non mostra gli animali in cattività, ma nel proprio habitat naturale. L’intelligenza artificiale collegata a quest’occhio robotico elabora le texture e i movimenti unici del mondo oceanico di Cape Fear tramite l’apprendimento automatico e li traduce in dati che modificano la colonna sonora su cui l’artista crea la performance, in Europa, in tempo reale. Questa interazione uomo-macchina diventa il punto di partenza per l’elaborazione creativa dell’opera.

Tale relazione racchiude in sé anche il mondo spirituale, rappresentato dal mito della MamiWata, divinità acquatica venerata in diversi paesi dell’Africa occidentale ed equatoriale, a metà tra figura umana e pesce, essere ibrido e allo stesso tempo alieno. L’artista trae spunto da questa divinità per creare un rituale tecno-spirituale, ancora una volta appreso dall’intelligenza artificiale attraverso un software di tracciamento del movimento sulla scena. La manifestazione di un simile rito diviene simbolicamente un’apparizione inaspettata, che si traduce in un’immagine creata in tempo reale e inviata a una piattaforma online accessibile solo quando la performance è in corso. Lo stesso visual verrà proiettato in loco, durante l’azione scenica.

VALERIE TAMEU
Laureata in studi di danza presso la Facoltà di Cinema, Arti della Scena, Musica e Media di Torino, si forma con vari3 docent3 della scena italiana e internazionale e frequenta i corsi Modem presso il centro coreografico Scenario Pubblico. Ha collaborato con Tecnologia Filosofica, Balletto Teatro di Torino, Laurent Pellisier, Paolo Armao, Masbedo. Nel 2020 è stata interprete nello spettacolo Bye Bye del Leone d’argento Alessio Maria Romano, che debutta alla Biennale Teatro di Venezia e partecipa al festival TorinoDanza e nel 2021 è interprete nello spettacolo Choròs dello stesso autore che va in scena durante il Festival Oriente Occidente, a Rovereto. Nel 2022 è performer per la produzione cross-disciplinare Dust of Dreams di Eva Frapiccini con le coreografie di Daniele Ninarello, in scena presso il Palazzo Ducale di Genova, il Polo del 900 di Torino e il Teatro della Tosse di Genova. Contemporaneamente porta avanti progetti di creazione e ricerca, partecipando a Officin&Ideali – Residenze in Transito, con il progetto Cronòtopia, in collaborazione con Teresa Norhona Feio e Annalisa Cannito; ha partecipato a Workspace Ricerca X 2021/ The ever practicing artist presso Lavanderia a Vapore, con il progetto a Thousand Ways to Fall; ha preso parte a Fase XL, progetto di C.U.R.A Centro Umbro Residenze Artistiche e La Mama Umbria International di Spoleto con il progetto Bodybuilding. La sua ricerca riguarda la relazione tra performance e identità e la differenza tra memorie e storia, mentre la sua pratica artistica con-fonde creativamente corpi, idee, teorie e allucinazioni.

concept, coreografia e voci Panzetti / Ticconi
interpreti Sissj Bassani, Efthimios Moschopoulos, Aleksandra Petrushevska, Julia Plawgo
composizione musica Demetrio Castellucci
musica e voce Gavino Murgia
disegno luci Annegret Schalke
costumi Werkstattkollektiv
supporto drammaturgico nel quadro della Rete JUMP Piersandra Di Matteo
approfondimento teorico psicoanalitico Daniela Frau
direzione tecnica in tour Michele Piazzi, Annegret Schalke
manager e distribuzione Aurélie Martin
amministrazione italiana Federica Giuliano (VAN)
direzione di produzione tedesca Sofia Fantuzzi
logistica Eleonora Cavallo (VAN – Panzetti/Ticconi GbR)
produzione Panzetti / Ticconi GbR (DE); Associazione Culturale VAN (IT)
finanziato da Berlin Senate Department for Culture and Europe (DE)
coproduzione Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (DE) // progetto di rete JUMP (formata da Oriente Occidente, Festival MILANoLTRE, I Teatri di Reggio Emilia, Lavanderia a Vapore/Piemonte dal Vivo, Marche Teatro/Inteatro Festival, Orbita, Scenario Pubblico / Centro di Rilevante Interesse Nazionale, Teatro Comunale di Vicenza, Teatro Stabile dell’Umbria) (IT) // Torinodanza Festival / Teatro Stabile Torino – Teatro Nazionale (IT) // Julidans Amsterdam (NL) // Pact Zollverein (DE) // Le Manège, scène-nationale – Reims (FR) // Le Pacifique – CDCN Grenoble Auvergne Rhône-Alpes (FR) // rete Les Petites Scènes Ouvertes con il supporto di Caisse des dépôts (FR) // Centre Chorégraphique National de Nantes attraverso il suo dispositivo Accueil Studio (FR) // CCNR / YUVAL PICK attraverso il suo dispositivo Accueil Studio (FR) // Fuori Margine Centro di Produzione di Danza e Arti Performative della Sardegna (IT)
programma di residenza artistica Centre Chorégraphique National de Nantes (FR) // Lavanderia a Vapore/Piemonte dal Vivo(IT) // Kinosaki International Arts Center (Toyooka city) (JP) // TEN Teatro Eliseo Nuoro (IT) // Le Pacifique – CDCN Grenoble Auvergne Rhône-Alpes (FR) in collaborazione con CCNR / YUVAL PICK (FR) // Chorège – CDCN Falaise Normandie (FR) // Scenario Pubblico / Centro di Rilevante Interesse Nazionale (IT) // Le Manège, scène-nationale – Reims (FR)

L’impatto fisico del naufrago su un’isola deserta e la caduta nel profondo della propria interiorità sono in INSEL collisioni equivalenti. INSEL, in italiano ISOLA, è una creazione coreografica e sonora per 4 performer, che sceglie una condizione geografica come riferimento simbolico per volgere lo sguardo all’individuo, nell’inevitabile incontro con la propria ombra. Due figure, sorvegliate dalle rispettive ombre, trovano nel monologo l’unico canale espressivo possibile. Compiaciute dai propri stessi toni sofferenti, esse non contemplano la presenza dell’altro. Precipitano piuttosto nell’oscuro del proprio essere, inscenando il dramma del proprio narcisismo. Le ombre si estendono in forma di oscurità maestosa e voce, una voce antica, profonda, che con vibrazioni telluriche dissestanti scardina ogni tipo di protagonismo egoico lasciando spazio, tra il terreno sformato e scosso, al possibile emergere di una comunità. Il lamento, da solitaria narcisistica espressione del singolo, si struttura in cadenzati gesti collettivi. Le prefiche conducono il rituale, mentre la voce dell’isola accompagna e lenisce. La voce di Gavino Murgia si ispira alla tradizionale tecnica del Cantu a Tenore originaria dell’isola di Sardegna.

di Alessandro Carboni | Formati Sensibili
progetto vincitore Collaboraction Kids – Network Anticorpi XL 2022/’23
rivolto a bambini di 3-8 anni e ai loro genitori

La storia di Q è un progetto che prende liberamente spunto dal testo Flatlandia. Racconto fantascientifico a più dimensioni di Edwin A. Abbott, pubblicato nel 1884. Partendo da questo testo per adulti, l’artista sviluppa un percorso creativo basato sull’immaginazione figurativa e l’astrazione geometrica in una dimensione adatta all’infanzia.

Negli anni la ricerca di Carboni si è concentrata su una riflessione teorico-pratica intorno alla misurazione e rappresentazione dello spazio, utilizzando il corpo in relazione con oggetti, materiali, elementi primari quali il punto, la linea, la superficie, il volume. Il risultato è una pratica/sintesi coreografica visivo-performativa originale in cui l’estetica minimale tende a una radicale essenza formale. È emersa ora nell’artista l’esigenza di sviluppare un progetto performativo che porti la ricerca su Flatlandia ad essere opportunamente rivisto per i bambini, pur mantenendo un’estetica ed un linguaggio essenziale, geometrico e astratto. Da un punto di vista coreografico il progetto si basa sulla costruzione e attraversamento di “mondi”, gli spazi multidimensionali proposti nel racconto da un suo abitante – Quadrato – e sull’ emozionante scoperta in cui conosce la realtà dello spazio tridimensionale e le possibilità di movimento che gli oggetti hanno.Utilizzando forme primarie, oggetti e il corpo l’artista sviluppa una partitura spaziale come elemento drammaturgico: percorrere lo spazio dal bidimensionale al tridimensionale e utilizzare il palcoscenico come piano di proiezione cartografica. Per la ricerca e sviluppo creativo visivo e performativo del progetto, l’artista e i suoi collaboratori utilizzeranno MM_Metodo Materia, un tool, strumento di lavoro ideato da Alessandro Carboni, che indaga la materia dal punto vista performativo e drammaturgico. La Storia di Q, inoltre, si svilupperà in collaborazione con Pingelap – arte e movimento creativo per bambini, progetto educativo per l’infanzia ideato con Chiara Castaldini – artista di danza in contesti educativi: oltre alle residenze dedicate specificatamente alla creazione, durante le fasi di ricerca per lo spettacolo verranno proposti ai bambini e alle comunità laboratori e attività di costruzione d’insieme, in cui si cercherà di stimolare intuizioni e ragionamenti, così da favorire processi di scambio e ampliare la capacità di immaginazione e astrazione del reale.

www.alessandro-carboni.com
www.pingelap.net
www.formatisensibili.net 

coreografia Daniele Ninarello
assistente alla creazione Elena Giannotti
dramaturg Gaia Clotilde Chernetich
produzione Codeduomo
creazione sostenuta da Étape Danse
con il sostegno di CSC Centro per la Scena Contemporanea
nell’ambito del progetto di cooperazione internazionale ON MOBILISATION finanziato dal programma Creative Europe della Commissione Europea

Partendo dalle azioni “proteste silenziose” generate durante i periodi di lockdown, nasce l’idea di una nuova creazione di gruppo, dedicata al concetto di protesta. Il desiderio di attraversare un tempo in cui i/le performer possano abbandonarsi ad uno spazio che si costruiscono reciprocamente dove è possibile esporre i propri corpi vulnerabili. In questo spazio i corpi procedono insieme attraverso una danza che nasce da un vero e proprio processo di flusso di coscienza, per liberare le tensioni accumulate nel tempo e dare movimento e voce a rivoluzioni rimandate, trattenute. Il tempo che stiamo attraversando richiede una riflessione sul senso di cura, partecipazione, ascolto e guarigione. I corpi subiscono continui dettati dall’esterno, sono territori colonizzati dalla cultura del controllo, della violenza e dell’offesa; la nostra vulnerabilità costretta a non esprimersi, a non essere osservata, celebrata. L’intenzione è di costruire uno speech che si scrive nel presente, come protesta dei corpi che si offre alla collettività, le proprie vulnerabilità esposte e le ferite aperte.

progetto di AMR/DALISI
regia e coreografia di Alessio Maria Romano
cast Mattéo Trutat, Francesca Linnea Ugolini
dramaturg Linda Dalisi
drammaturgia sonora Franco Visioli
spazio scenicoGiuseppe Stellato
progetto luci Giulia Pastore
costumi Giada Masi
consulente scientifico Prof. Enrico Trincherini (Scuola Normale Superiore)
assistente alla creazione Riccardo Micheletti
produzione TPE – Teatro Piemonte Europa
in collaborazione con Piemonte dal Vivo
all’interno del progetto Residenze coreografiche della Lavanderia a Vapore

Residenza coreografica in preparazione del debutto di PRINCIPIA al Teatro Astra di Torino, dal 18 al 23 aprile, all’interno della stagione di TPE – Teatro Piemonte Europa.

Una ragnatela nella notte dei tempi ha accolto la prima luce e da allora accompagna la vita del cosmo con un legame misterioso e silenzioso. La materia oscura è ovunque. Come un’impalcatura cosmica, interconnette l’universo e tiene insieme le galassie. Una presenza tanto importante quanto misteriosa. Nell’universo la materia oscura e quella ordinaria si parlano usando un linguaggio segreto: un dialogo che avviene grazie alla gravità, ma con modalità che la scienza finora non è stata in grado di comprendere a fondo. Nuova produzione del TPE – Teatro Astra, Principia è un esperimento. A partire dagli studi sulla materia oscura, Alessio Maria Romano, regista e coreografo, coadiuvato dalla drammaturgia di Linda Dalisi, costruisce un gioco scenico in cui danza, suono, spazio e luce cercano di restituire la complessità affascinante di un linguaggio scientifico che sfida i confini della logica pur radicandosi fortemente nella realtà quotidiana di tutti noi. Una sorta di scatola magica che a volte assume anche le sembianze semplici di una radio che trasmette un concerto, un ricordo, un insieme di informazioni o un messaggio perduto nell’etere. Le onde elettromagnetiche, le onde sonore e quelle gravitazionali, creano un reticolo di relazioni che raccontano e custodiscono la memoria, viaggiando talvolta a velocità inimmaginabili, eppure avvolgendo sempre l’essere umano e i suoi sentimenti.

di e con Francesca Cola e Debora Giordi | coreografe 
con la consulenza scientifica di Laura Marcolini | designer, artista visiva, scultrice
e Ana Cristina Vargas | antropologa culturale

Dopo una prima tappa sviluppatasi a conclusione del progetto DanzArTe, la residenza ORO apre a un secondo momento di ricerca. In questa nuova fase, focus d’interesse sono le parole cura e rito.  

Quale significato e quale valore possiedono i due termini nella contemporaneità? Quali sono i riti o meglio gli atti rituali che attraversano le comunità oggi?  Il valore simbolico che ciascuno attribuisce nel proprio intimo a oggetti rituali, può essere riconosciuto dagli altri e divenire valore per la comunità?  In che modo l’azione rituale può generare un principio di guarigione collettiva? 

A partire da questi interrogativi e attraverso l’incontro con una comunità intergenerazionale composta da bambini, over 65, artisti e operatori socio-sanitari, connessi in modalità diverse ai due temi portanti, si scaverà all’interno dei transitori rituali del contemporaneo, domandandosi in che modo la cura possa in essi manifestarsi.

progetto di AMR/DALISI
regia e coreografia di Alessio Maria Romano
cast Mattéo Trutat, Francesca Linnea Ugolini
dramaturg Linda Dalisi
drammaturgia sonora Franco Visioli
spazio scenicoGiuseppe Stellato
progetto luci Giulia Pastore
costumi Giada Masi
consulente scientifico Prof. Enrico Trincherini (Scuola Normale Superiore)
assistente alla creazione Riccardo Micheletti
produzione TPE – Teatro Piemonte Europa
in collaborazione con Piemonte dal Vivo
all’interno del progetto Residenze coreografiche della Lavanderia a Vapore

Residenza coreografica in preparazione del debutto di PRINCIPIA al Teatro Astra di Torino, dal 18 al 23 aprile, all’interno della stagione di TPE – Teatro Piemonte Europa.

Una ragnatela nella notte dei tempi ha accolto la prima luce e da allora accompagna la vita del cosmo con un legame misterioso e silenzioso. La materia oscura è ovunque. Come un’impalcatura cosmica, interconnette l’universo e tiene insieme le galassie. Una presenza tanto importante quanto misteriosa. Nell’universo la materia oscura e quella ordinaria si parlano usando un linguaggio segreto: un dialogo che avviene grazie alla gravità, ma con modalità che la scienza finora non è stata in grado di comprendere a fondo. Nuova produzione del TPE – Teatro Astra, Principia è un esperimento. A partire dagli studi sulla materia oscura, Alessio Maria Romano, regista e coreografo, coadiuvato dalla drammaturgia di Linda Dalisi, costruisce un gioco scenico in cui danza, suono, spazio e luce cercano di restituire la complessità affascinante di un linguaggio scientifico che sfida i confini della logica pur radicandosi fortemente nella realtà quotidiana di tutti noi. Una sorta di scatola magica che a volte assume anche le sembianze semplici di una radio che trasmette un concerto, un ricordo, un insieme di informazioni o un messaggio perduto nell’etere. Le onde elettromagnetiche, le onde sonore e quelle gravitazionali, creano un reticolo di relazioni che raccontano e custodiscono la memoria, viaggiando talvolta a velocità inimmaginabili, eppure avvolgendo sempre l’essere umano e i suoi sentimenti.